آکوردها (Chords) زبان احساسات در موسیقی هستند. برای ما ایرانی‌ها، خیلی از قطعات ماندگار، با یک ملودی ساده و چند آکورد، گره خورده‌اند؛ از نوستالژی‌های ابی و داریوش گرفته تا احساسات لطیف محسن یگانه و فرزاد فرخ. در این مقاله، ما قرار است نه‌تنها لیستی از محبوب‌ترین آکوردهای آهنگ‌های ایرانی و خارجی (عاشقانه و غمگین) را به شما بدهیم، بلکه یک نقشه‌راه کامل برای یادگیری، تمرین و در نهایت، اجرای روح‌نواز آن‌ها ارائه کنیم.

۱. چرا آکوردهای عاشقانه/غمگین پرطرفدارند؟ (نکته روانشناختی)

قبل از شیرجه زدن به لیست آکوردها، بیایید ببینیم چرا این تم موسیقی (Theme)، این‌قدر برایمان جذاب و ماندگار است. موسیقی غمگین و عاشقانه صرفاً درباره‌ی دل شکستگی نیست؛ بلکه پلی است به عمیق‌ترین لایه‌های روح ما.

• تخلیه هیجانی (Catharsis): گوش دادن یا نواختن آهنگ‌های غمگین، به ما اجازه می‌دهد بدون قضاوت، احساسات سخت را تجربه و رها کنیم. این کار از نظر روانشناسی، حال ما را بهتر می‌کند.
• همدلی و اشتراک: وقتی می‌بینیم یک هنرمند، احساسات ما را با موسیقی بیان کرده، احساس تنهایی کمتری می‌کنیم. این تجربه مشترک، باعث ماندگاری آهنگ می‌شود.
• سادگی در آکورد: بسیاری از موفق‌ترین آهنگ‌های پاپ و راک در جهان، از توالی آکوردهای ساده و تکرارشونده‌ای استفاده می‌کنند که به آن توالی آکورد چهار تایی جادویی (Four-Chord Progression) می‌گویند. این سادگی، یادگیری آن‌ها را برای مبتدیان، دلپذیر می‌کند.

روش اصولی و ساده برای خواندن آکوردهای گیتار (گام به گام)

۲. گنجینه آکوردهای ایرانی: از نوستالژی تا پاپ جدید

موسیقی پاپ ایرانی، به‌ویژه در سبک عاشقانه و غمگین، از نظر آکوردها، تنوع و زیبایی خاصی دارد. بسیاری از این آهنگ‌ها با چند آکورد ساده و در گام‌های مینور (Minor) نواخته می‌شوند که حس حزن را القا می‌کنند.

۲.۱. پرطرفدارترین آکوردهای ایرانی برای مبتدیان

اگر تازه کار با گیتار را شروع کرده‌اید و به دنبال آهنگ‌هایی هستید که به‌راحتی ریتم و آکورد آن‌ها را بگیرید، این جدول برای شماست. در این آهنگ‌ها معمولاً از آکوردهای ساده‌ای مثل Am، Em، C، G، Dm، F استفاده می‌شود.

• لینک خرید آکورد اگه یه روز بری سفر
• لینک خرید آکورد بهت قول می‌دم
• لینک خرید آکورد تقدیر
• لینک خرید آکورد گل یخ
• لینک خرید آکورد چشم من

۲.۲. آهنگ‌های عمیق‌تر و نسبتاً سخت‌تر (برای سطح متوسط)

اگر کمی با تعویض آکوردها آشنا هستید و می‌خواهید به سراغ کارهای عمیق‌تر و پیچیده‌تر بروید که احساسات بیشتری دارند، این لیست را امتحان کنید. معمولاً در این آهنگ‌ها از آکوردهای باره (Barre Chords) بیشتری استفاده می‌شود.

• سلطان قلب‌ها (عارف): ریتم ۳/۴ والز (Waltz) است و گام Dm دارد. تمرین کنید تا ریتم والز را دقیق اجرا کنید.
• سنگ صبور (محسن چاوشی): گام A و ریتم ۴/۴ دارد. شامل آکوردهای باره‌ای مثل F#m و Bm است که نیازمند کمی قدرت دست چپ است.
• با تو (ابی): گام Am و ریتم ۴/۴. این آهنگ برای تمرین تعویض‌های سریع آکورد، بسیار مناسب است.
• پناه (محسن چاوشی): این قطعه‌ها معمولاً با گیتار آرپژ (Arpeggio) نواخته می‌شوند و تمرکز روی تکنیک پنجه زدن است تا ریتم صرف.

آموزش کامل آکوردهای گیتار (گام به گام و تصویری) +دانلود جزوه PDF

۳. محبوب‌ترین آکوردهای خارجی: مرزهای احساس را بشکنید!

موسیقی خارجی، به‌ویژه پاپ و فولک، مخزن بی‌نظیری از آهنگ‌هایی با توالی آکورد ساده است که برای مبتدیان، فوق‌العاده کاربردی هستند. بسیاری از آهنگ‌های مشهور جهان فقط با ۴ آکورد نواخته می‌شوند!

۳.۱. توالی جادویی چهار آکورد (The Four Chords)

راز سادگی و محبوبیت بسیاری از آهنگ‌های دنیا، در توالی آکوردی است که با نام I–V–vi–IV شناخته می‌شود. در گام دو ماژور (C Major)، این آکوردها عبارت‌اند از: C – G – Am – F.

ترفند طلایی: با تسلط بر همین ۴ آکورد و تعویض سریع آن‌ها، می‌توانید بیش از نیمی از آهنگ‌های پاپ غربی را بنوازید! این توالی را در آهنگ‌هایی مثل Let It Be از بیتلز (Beatles) یا Someone Like You از ادل (Adele) به‌وضوح می‌بینید.

آموزش انواع آکورد گیتار و روش ساخت آنها (گام به گام)

آکوردهای خارجی عاشقانه و غمگین آسان (با ترجمه فارسی نام آهنگ‌ها)

این جدول شامل آهنگ‌های مشهور جهانی است که ساختار آکورد ساده‌ای دارند و مناسب نوازندگان مبتدی تا متوسط هستند.

یادآوری: برای تقویت پایه نوازندگی، همچنان تمرین تعویض‌های روان بین آکوردهای G، C و D را در برنامه روزانه خود قرار دهید. این آکوردها، کلید ورود شما به نواختن صدها آهنگ هستند.

  دانلود pdf آکورد آهنگ های داخل جدول

۴. آموزش جامع: چگونه آکوردها را سریع و شفاف بزنیم؟ (از مبتدی تا حرفه‌ای)

یادگیری چند آکورد آسان است، اما اجرای روان و بدون مکث، یک چالش بزرگ برای همه نوازندگان، به‌ویژه مبتدیان است. این بخش، کاملاً آموزشی و کاربردی است.

۴.۱. دیاگرام (Diagram) و انگشت‌گذاری

برای کسانی که تازه شروع کرده‌اند، ضروری است که نقشه‌ی آکوردها را یاد بگیرند.

شماره سیم‌ها (String Numbers): سیم شماره ۱ پایین‌ترین و نازک‌ترین سیم گیتار است، و سیم شماره ۶ بالاترین و ضخیم‌ترین سیم.

شماره انگشتان (Finger Numbers):

• انگشت ۱: اشاره
• انگشت ۲: وسط
• انگشت ۳: حلقه (رینگ)
• انگشت ۴: کوچک (کوچیکه)

دانلود بفرمایید خودتونو راحت کنید: 12 نرم ‌افزار آکورد گیتار (ویندوز و اندروید) + دانلود رایگان

به عنوان مثال، برای گرفتن آکورد Am (لا مینور):

• انگشت ۱ (اشاره) روی سیم ۲، فرت ۱
• انگشت ۲ (وسط) روی سیم ۴، فرت ۲
• انگشت ۳ (حلقه) روی سیم ۳، فرت ۲

نکته کلیدی: انگشت‌ها باید دقیقاً پشت میله‌های فلزی (Fretwire) و به صورت عمود قرار بگیرند تا صدای سیم‌ها شفاف و بدون گز (Buzz) باشد.

۴.۲. ترفندهای تخصصی برای تعویض آکورد سریع

یکی از مهم‌ترین دلایلی که بسیاری از هنرجویان دلسرد می‌شوند، سرعت پایین در تعویض آکوردها است. اما این مشکل، با چند ترفند تخصصی قابل حل است:

اصل انگشت مشترک (Common Finger Principle):

همیشه دو آکورد متوالی را بررسی کنید. اگر بین آن‌ها انگشت مشترکی وجود دارد (مثلاً انگشت ۱ در آکورد C و Am)، هرگز آن انگشت را از روی دسته برندارید. این انگشت مثل یک لنگر عمل کرده و سرعت تعویض را چند برابر می‌کند. مثال: هنگام تعویض از C به Am، انگشت اشاره (۱) روی سیم ۲، فرت ۱ ثابت می‌ماند و فقط انگشتان ۲ و ۳ جابه‌جا می‌شوند.

تعویض در هوا (Air Switching):

به جای برداشتن تک‌تک انگشت‌ها و سپس قرار دادن آن‌ها، سعی کنید تمام انگشتان آکورد بعدی را هم‌زمان در هوا به شکل آن آکورد درآورده و یکجا روی دسته فرود بیاورید. این کار نیاز به تمرین و حافظه عضلانی (Muscle Memory) قوی دارد.

تمرین با مترونوم (Metronome):

تعویض‌های خود را با یک مترونوم که روی سرعت پایین (مثلاً ۶۰ ضرب در دقیقه – BPM) تنظیم شده، تمرین کنید. هدف این است که تعویض آکورد را دقیقاً روی ضرب بعدی انجام دهید. این تمرین، دقت زمانی (Timing) شما را به‌شدت بالا می‌برد.

آکورد چیست؟ (و تفاوت آکورد ماژور و مینور به زبان ساده)

۴.۳. نقش مهم ریتم در انتقال احساس

انتخاب ریتم درست، نیمی از حس یک آهنگ است. آهنگ‌های عاشقانه و غمگین ایرانی معمولاً از دو ریتم رایج استفاده می‌کنند:

ریتم ۴/۴ (۴/۴ Time Signature): ریتم پایه برای بسیاری از آهنگ‌های پاپ.

• کاربرد: آهنگ‌های با تم آرام و رمانتیک (مثل بهت قول می‌دم).
• نحوه شمارش: ۱ و ۲ و ۳ و ۴ و (پایین، پایین-بالا، بالا، پایین-بالا).

ریتم ۶/۸ (۶/۸ Time Signature): ریتم نوستالژیک و سنگین که برای قطعات غمگین و مجلسی استفاده می‌شود.

• کاربرد: آهنگ‌های نوستالژیک و قدیمی‌تر (اگه یه روز بری سفر، تقدیر).
• نحوه شمارش: ۱ و ا ۲ و ا (پایین، پایین-بالا، بالا-پایین، بالا).

۵. نکات پیشرفته و ابزارهای کمکی (برای حرفه‌ای شدن)

آکوردها فقط دایره لغات شما در موسیقی هستند؛ برای اینکه واقعاً یک محتوای ارزشمند تولید کنید، باید بتوانید عمیق‌تر به موضوع نگاه کنید.

۵.۱. شناخت گام (Key) آهنگ

هر آهنگ عاشقانه و غمگین، معمولاً در یک گام مینور (Minor Key) نوشته شده است. چرا؟ چون گام‌های مینور ذاتاً حسی حزن‌انگیز، اسرارآمیز و دلتنگ‌کننده دارند.

• مثال: آهنگ تقدیر (شادمهر) در گام Am (لا مینور) است. این گام یکی از رایج‌ترین گام‌های غمگین در موسیقی پاپ است.
• مزیت: وقتی گام آهنگ را بدانید، می‌دانید که چه نت‌هایی در آن گام مجاز هستند. این دانش به شما کمک می‌کند تا به جای حفظ کردن طوطی‌وار آکوردها، آن‌ها را درک کرده و حتی ملودی‌های ساده بسازید.

بلد باشید: فرکانس نت های موسیقی (لیست کامل)

۵.۲. کاپو (Capo): دوست صمیمی نوازندگان

کاپو، ابزاری کوچک اما جادویی است که به شما اجازه می‌دهد همان فرم انگشت‌گذاری آکوردهای آسان (مثل C, G, Am, F) را حفظ کنید، اما با تغییر گام، صدای آهنگ را بالا یا پایین ببرید تا با صدای خواننده هماهنگ شود.

• کاربرد: اگر صدای خواننده مرد (باس یا باریتون) با آکورد اصلی مطابقت ندارد و برای صدای شما خیلی پایین است، کافی است کاپو را روی فرت ۲ یا ۳ قرار دهید و همان آکوردها را بنوازید تا گام آهنگ بالا برود.

پیشنهاد ابزار: استفاده از اپلیکیشن‌هایی مانند Guitar Chords and Tabs یا سایت‌های تخصصی آکورد، می‌تواند به شما در دیدن دیاگرام و یافتن آکوردهای دقیق‌تر کمک کند.

اپلیکیشن Guitar chords and tabs گیتار کوردز اند تبز

• دانلود از گوگل پلی
• دانلود از مایکت
• دانلود از بازار
• دانلود برای آیفون

۶. سؤالات متداول (FAQ) و جمع‌بندی نهایی

در این بخش، به تمام سؤالاتی که ممکن است پس از خواندن این راهنما در ذهن شما باقی مانده باشد، پاسخ خواهیم داد.

۶.۱. آیا واقعاً می‌توان فقط با ۴ آکورد تمام آهنگ‌ها را نواخت؟

پاسخ: خیر، نه تمام آهنگ‌ها. اما بخش بسیار بزرگی از آهنگ‌های پاپ، فولک و کانتری جهان، شامل ایرانی و خارجی، بر پایه توالی‌های ساده‌ای مثل C-G-Am-F هستند. یادگیری این چهار آکورد، دروازه ورود شما به دنیای نوازندگی است. آهنگ‌های پیچیده‌تر، نیاز به آکوردهای باره‌ای (مانند B یا F) و آکوردهای هفتم (مانند G7 یا E7) دارند.

۶.۲. چقدر طول می‌کشد تا بتوانم آهنگ بزنم؟

پاسخ: سرعت یادگیری کاملاً به زمان تمرین روزانه شما بستگی دارد.

• تخمین واقع‌بینانه: با ۳۰ دقیقه تا ۱ ساعت تمرین هدفمند در روز (تمرکز روی تعویض آکورد و ریتم):
  • ۲ هفته: تسلط بر ۳-۴ آکورد ساده.
  • ۱ ماه: اجرای روان اولین آهنگ ساده.
  • ۳ ماه: اجرای آهنگ‌های متوسط با ریتم‌های متنوع.
  • ۶ ماه: شروع به نواختن آکوردهای باره (Barre Chords).

فوق کاربردی: اصول یادگیری موسیقی (آموزش 3 گام ساده)

۶.۳. چرا صدای آکورد باره (مثل F) من شفاف نیست؟

پاسخ: این یکی از رایج‌ترین مشکلات است! دلیل آن معمولاً موارد زیر است:

• پشت دسته گیتار: شست دست چپ شما باید پایین‌تر، پشت دسته قرار بگیرد تا نیروی بیشتری برای فشار دادن انگشت اشاره به سیم‌ها ایجاد کند.
• نحوه فشار: سیم‌ها را با بخش کناری و استخوانی انگشت اشاره (و نه قسمت گوشتی) فشار دهید.
• جای انگشت: انگشت اشاره را دقیقاً پشت فرت (نزدیک به میله فلزی) بگذارید.

جمع‌بندی نهایی

شما اکنون با یک گنجینه کامل از آکوردهای عاشقانه و غمگین ایرانی و خارجی و همچنین تمام نکات تخصصی برای اجرای روان آن‌ها آشنا هستید. موسیقی، مانند زبان، برای انتقال احساسات است و آکوردها، الفبای این زبان هستند.

حالا نوبت شماست که شروع کنید!

سوال ما این است: اولین آهنگی که با گیتار زدید یا علاقه مند ا نواختن آن هستید چیست؟

تجربیات و نظرات خود را در بخش کامنت‌ها با ما و دیگر هنرجویان به اشتراک بگذارید. تبادل نظر و تجربه، بهترین راه برای یادگیری سریع‌تر و الهام گرفتن است. اگر آهنگی با آکوردهای خاص می‌شناسید که به این لیست اضافه کنیم، حتماً نام آن را بنویسید تا این محتوا برای همه، کاربردی‌تر شود.

مطلب پرطرفدار سایت: چطور گوش خود را برای یادگیری بهتر موسیقی تربیت کنیم؟

نوشته آکورد آهنگ های معروف ایرانی و خارجی (عاشقانه غمگین) اولین بار در سازی ها. پدیدار شد.

با چند تا اپ هوشمند موبایل که اینجا معرفی می‌کنم، می‌تونی این کارِ به‌ظاهر پیچیده رو در چند دقیقه انجام بدی و نت‌های آهنگ دلخواهت رو جلوی چشمت ببینی. راهنما کمکت می‌کنه بهترین ابزار رو بر اساس نیازت انتخاب کنی و ازش برای خلق یا اجرای موسیقی استفاده کنی.

درک فرآیند تبدیل آهنگ به نت: چرا به این برنامه‌ها نیاز دارید؟

تبدیل یک فایل صوتی (مثل MP3) یا صدای زنده (خواندن یا نواختن ساز) به پارتیتور، در اصطلاح موسیقی با نام ترانسکریپشن (Transcription) شناخته می‌شود. در گذشته این کار فقط توسط گوش‌های ورزیده و با صرف زمان زیاد انجام می‌شد، اما امروزه با ظهور هوش مصنوعی (AI) و الگوریتم‌های پیشرفته پردازش سیگنال، این برنامه‌ها می‌توانند:

• ارتفاع (Pitch) نت‌ها را تشخیص دهند (مثلاً نت “دو” است یا “سل”).
• ریتم و زمان‌بندی (Rhythm) نت‌ها را مشخص کنند (مثلاً نت “سیاه” است یا “چنگ”).

این ابزارها نه تنها برای حرفه‌ای‌ها، بلکه برای مبتدیانی که می‌خواهند نت‌خوانی را با آهنگ‌های مورد علاقه خود تمرین کنند، حیاتی هستند.

یکی از این برنامه ها رو هم داشته باش: 4 بهترین برنامه تشخیص گام آهنگ+ 4 سایت رایگان

۴ برنامه برتر تبدیل آهنگ به نت برای اندروید و آیفون

در این بخش، چهار برنامه کاربردی و قدرتمند که توانایی بالایی در ترانسکریپشن موسیقی دارند را معرفی می‌کنیم. انتخاب بهترین برنامه به نوع موسیقی، دقت مورد نیاز شما و بودجه‌تان بستگی دارد.

۱. ScoreCloud (اسکورکلاد) – بهترین برای ضبط صدا و نت‌نویسی سریع

• آدرس سایت
• دانلود از گوگل پلی
• دانلود از مایکت
• دانلود از بازار
• دانلود برای آیفون

ScoreCloud یک نرم‌افزار قدرتمند است که در دو نسخهٔ موبایل (ScoreCloud Express برای iOS/iPadOS) و دسکتاپ (ScoreCloud Studio) عرضه می‌شود. این برنامه یکی از بهترین‌ها در تبدیل صدای ورودی (آواز یا ساز) به نت‌های موسیقی در لحظه است.

نکات عملی و ابزار لازم:

• ورودی صوتی: می‌توانید مستقیماً در میکروفون گوشی خود ملودی‌ای را بخوانید یا بنوازید تا برنامه آن را تبدیل به نت کند.
• هوشمندی در ریتم: ScoreCloud به طور هوشمند ریتم را تحلیل می‌کند و به بهترین شکل ممکن، آن را روی خطوط حامل نمایش می‌دهد.
• پشتیبانی از MIDI: اگر یک ساز MIDI دارید، می‌توانید آن را متصل کنید و نت‌برداری دقیق‌تری داشته باشید.

نکته سریع (کاربردی): برای بهترین نتیجه در ScoreCloud، سعی کنید ملودی را با ریتم ثابت و بدون نوسان زیاد در سرعت (تمپو) بخوانید یا بنوازید. همچنین، از محیط‌های بدون نویز برای ضبط استفاده کنید.

روش تشخیص صدای نت ها+ نرم افزار تشخیص نت از روی صدا

۲. Chordify (کوردایفای) – بهترین برای تشخیص آکورد و نوازندگان گیتار و پیانو

• آدرس سایت
• دانلود از گوگل پلی
• دانلود از مایکت
• دانلود از بازار
• دانلود برای آیفون

Chordify شاید مستقیماً “نت” (ملودی) را به شما ندهد، اما اگر هدف شما نواختن آهنگ با سازهای آکوردی مثل گیتار، پیانو یا یوکللی است، این برنامه یک گنجینه واقعی است. این برنامه توانایی تشخیص دقیق آکوردهای موسیقی را از یک فایل صوتی یا ویدیوی یوتیوب دارد.

نکات عملی و ابزار لازم:

• ورودی فایل یا لینک: می‌توانید فایل MP3 را به برنامه بدهید یا لینک ویدیوی آهنگ مورد نظر را از یوتیوب وارد کنید.
• خروجی ساده: برنامه آکوردها را روی زمان‌بندی دقیق آهنگ نمایش می‌دهد. نیازی به دانش نت‌خوانی پیچیده نیست.
• قابلیت‌های تمرین: دارای قابلیت‌های مفید برای تمرین مانند لوپ کردن (تکرار) بخش‌های خاص و کم کردن سرعت پخش (Tempo Control) است.

مکمل این مطلب: روش تشخیص سبک موسیقی در حال نواخته شدن با کمک گوش

3.Anytune (اِنی‌تون) – ابزاری حرفه‌ای برای تمرین، تحلیل و ترانسکریپشن

• آدرس سایت
• دانلود از گوگل پلی
• دانلود از مایکت
• دانلود از بازار
• دانلود برای آیفون

Anytune (که در نسخه‌های رایگان و حرفه‌ای ارائه می‌شود) یکی از بهترین ابزارهای موجود در پلتفرم‌های موبایلی است که به طور خاص برای کمک به نوازندگان در یادگیری، تمرین و نت‌برداری (ترانسکریپشن) قطعات پیچیده طراحی شده است. این برنامه بر خلاف ابزارهای کاملاً خودکار، بر قابلیت‌های پخش حرفه‌ای تمرکز دارد که کاربر را قادر می‌سازد تا خودش نت‌ها را با دقت بالا استخراج کند.

نکات عملی و ابزار لازم:

• کاهش سرعت پخش (Tempo Control): قابلیت اصلی Anytune این است که به شما اجازه می‌دهد سرعت پخش آهنگ را بدون تغییر زیر و بمی (Pitch) آن، تا حد بسیار زیادی کاهش دهید. این برای تحلیل سولوهای سریع و ملودی‌های پیچیده حیاتی است.
• تغییر گام (Transpose/Key Shift): می‌توانید گام کل آهنگ را بالا یا پایین ببرید. این ویژگی بسیار کاربردی است اگر می‌خواهید قطعه‌ای را در گامی ساده‌تر بنوازید یا آن را برای ساز دیگری تنظیم کنید.
• بخش‌بندی (Looping/Marking): امکان علامت‌گذاری و تکرار (لوپ کردن) بخش‌های کوتاه و پیچیده آهنگ، تمرین و نت‌برداری از آن قسمت‌ها را بسیار آسان می‌کند.
• تجسم فرکانس (Visualizer):Anytune دارای یک نمایشگر طیف صوتی (Spectrogram) است که به شما کمک می‌کند نت‌ها را به صورت بصری روی نمودار فرکانس مشاهده کنید؛ یک ابزار عالی برای تأیید نت‌هایی که گوشتان در تشخیص آن‌ها دچار مشکل می‌شود.

نکات سریع (مخصوص نوازندگان):

• از قابلیت Fine-Tuning (تنظیم دقیق زیر و بمی) استفاده کنید تا اگر آهنگ اصلی کمی کوک (Tuning) خارج از استاندارد (مثلاً A=440Hz) دارد، بتوانید آن را به کوک استاندارد نزدیک کنید تا نت‌برداری دقیق‌تر باشد.
• برای تمرین، ابتدا سرعت را تا ۷۰٪ یا ۵۰٪ کاهش دهید. هر بار که توانستید آن بخش را درست بنوازید، سرعت را ۵ تا ۱۰٪ افزایش دهید تا به تمپوی اصلی برسید.

بلد باشید قضیه حله! فرکانس نت های موسیقی (لیست کامل)

۴. Melody Scanner (ملودی اسکنر) – تبدیل فایل‌های صوتی به نت‌های کامل

• آدرس سایت
• دانلود از گوگل پلی
• دانلود از مایکت
• دانلود از بازار
• دانلود برای آیفون

Melody Scanner یک ابزار آنلاین و اپلیکیشن (iOS) است که بر تبدیل فایل‌های صوتی به پارتیتورهای کامل تمرکز دارد. این برنامه با استفاده از هوش مصنوعی، می‌تواند ملودی، ریتم و حتی بخش‌هایی از هارمونی را تشخیص دهد و خروجی‌هایی با فرمت‌های مختلف (مانند PDF یا MusicXML) ارائه دهد.

نکات عملی و ابزار لازم:

• پشتیبانی از فرمت‌های خروجی: مهمترین مزیت این برنامه، خروجی گرفتن در فرمت MusicXML است که به شما امکان می‌دهد نت‌های استخراج‌شده را در نرم‌افزارهای حرفه‌ای دیگر مانند سیبلیوس (Sibelius) یا موس‌اسکور (MuseScore) ویرایش کنید.
• دقت بالا در ملودی: این برنامه در تفکیک ملودی‌های اصلی از بافت پیچیده یک آهنگ توانایی خوبی دارد.

3 بهترین کتاب نت گیتار+ لینک دانلود PDF و خرید آنها

چگونه بهترین نتیجه را از این برنامه‌ها بگیرید؟

تبدیل آهنگ به نت یک کار چالش‌برانگیز برای هر نرم‌افزاری است، به خصوص در موسیقی‌های پیچیده (چندصدایی یا پلی‌فونی). برای اینکه حداکثر دقت را از برنامه‌های معرفی شده بگیرید (چه ابزارهای خودکار مثل ScoreCloud و Melody Scanner، و چه ابزارهای کمکی مثل Anytune)، این نکات کاربردی را دنبال کنید:

۱. آمادگی فایل صوتی (مهم‌ترین گام برای دقت):

• جداسازی صوتی (Stem Separation): اگر آهنگ شامل لایه‌های صوتی زیادی (خواننده، درامز، گیتار و…) است، دقت ابزارهای خودکار به شدت کاهش می‌یابد. سعی کنید از ابزارهای آنلاین جداسازی صدا (مثل ابزارهای مبتنی بر هوش مصنوعی) استفاده کنید تا فقط صدای ساز یا ملودی مورد نظرتان را به برنامه بدهید.
• کیفیت بالا و بدون نویز: همیشه از فایل‌های صوتی با بالاترین کیفیت ممکن (مانند WAV یا FLAC به‌جای MP3 با بیت‌ریت پایین) استفاده کنید. هرچه جزئیات صوتی بیشتر باشد، تشخیص نت‌ها دقیق‌تر است. برای ضبط زنده با ScoreCloud، از میکروفون باکیفیت و محیطی بدون نویز استفاده کنید.
• نوع ملودی: برنامه‌ها در تبدیل ملودی‌های تک‌صدایی (Monophonic) (مانند یک سولو با ساز بادی یا آواز) بسیار دقیق‌تر از موسیقی‌های چندصدایی (Polyphonic) (مانند یک قطعه پیانوی کامل با آکورد) هستند.

بلد باشید: اصطلاحات گیتار الکتریک+ اصطلاحات گیتار کلاسیک

۲. تنظیمات در برنامه و تکنیک‌های تحلیل (استفاده مؤثر از Anytune):

فوق کاربردی: عدد/شماره سیم‌های گیتار: راهنمای جامع ساختار و شماره گذاری

نکات سریع (تکنیک‌های شنیداری):

• روی یک ساز تمرکز کنید: هنگام تحلیل یک قطعه پیچیده، ابتدا فقط روی خط ملودی اصلی یا خط بیس (Bassline) تمرکز کنید و سایر سازها را نادیده بگیرید.
• از بخش‌های آرام شروع کنید: نت‌برداری را از بخش‌های آرام و ساده‌تر آهنگ شروع کنید تا گوشتان به گام، ریتم و سازبندی قطعه عادت کند.

۳. بررسی و ویرایش نهایی (گام ضروری):

هیچ برنامه هوش مصنوعی در حال حاضر ۱۰۰٪ بدون خطا نیست. خطاهای رایج شامل اشتباه در تشخیص علائم ریتمی (مثلاً نت “سیاه” به جای “چنگ”)، نت‌های زینت و نت‌های خارج از گام است.

• خروجی MusicXML و MIDI: همیشه از برنامه‌هایی مانند Melody Scanner یا ScoreCloud خروجی با فرمت MusicXML یا MIDI بگیرید. این فرمت‌ها به شما امکان می‌دهند نت‌های استخراج‌شده را در نرم‌افزارهای حرفه‌ای دیگر (مانند Sibelius یا MuseScore) وارد کرده و با گوش دادن و مقایسه با فایل اصلی، خطاهای ریتم و ارتفاع را به صورت دستی تصحیح کنید.
• بررسی علائم: مطمئن شوید که علائم دینامیکی (مانند پیانو و فورته)، آرتیکولاسیون (مانند لگاتو و استاکاتو) و علائم تکرار در پارتیتور نهایی به درستی وارد شده باشند.

خلاصهٔ عملی و پیشنهاد اقدام بعدی

تبدیل آهنگ به نت، دیگر یک رویا نیست، بلکه یک واقعیت در دسترس است. انتخاب ابزار مناسب باید دقیقاً بر اساس نیاز عملی و سطح مهارت شما باشد:

انتخاب برنامه بر اساس هدف نهایی

خیلی به کار میاد! پرده و نیم پرده در گیتار (اسم فرت های گیتار به فارسی)

اقدام عملی: از کجا شروع کنیم؟

برای استفاده فوری و عملی از این راهنما، پیشنهاد می‌شود بر اساس نیاز فعلی خود اقدام کنید:

1. اگر نوازنده سازهای آکوردی (گیتار، پیانو) هستید: همین الان به سراغ Chordify بروید. یک آهنگ را انتخاب کرده و فوراً آکوردهای آن را پیدا کنید تا لذت نواختن آن را تجربه کنید.
2. اگر به دنبال یادگیری یک ملودی یا سولو سخت هستید: برنامه Anytune را دانلود کنید. آهنگ را در آن وارد کرده و سرعت پخش را به نصف کاهش دهید. با این روش می‌توانید نت‌هایی را که در سرعت عادی نمی‌شنیدید، به وضوح تشخیص دهید و یاد بگیرید.

پیشنهاد نهایی برای مبتدیان:

از آنجا که بسیاری از کاربران برای شروع به دنبال نواختن آهنگ مورد علاقه خود هستند، بهترین قدم این است که با Chordify شروع کنید و پس از تسلط بر آکوردها، اگر نیاز به نت‌برداری از ملودی‌ها و پاساژهای پیچیده داشتید، از Anytune یا ScoreCloud استفاده کنید.

نوشته 4 بهترین برنامه تبدیل آهنگ به نت (اندروید و آیفون) دانلود رایگان اولین بار در سازی ها. پدیدار شد.

هر قطعه موسیقی، حول یک نت اصلی به نام تونیک (Tonic) می‌چرخد و گام، رابطه این نت اصلی با سایر نت‌ها را تعریف می‌کند که در این مطلب ابتدا 4 اپلیکیشن برتر و سپس 4 سایت آنلاین رایگان برای تشخیص گام هر آهنگی را معرفی می کنیم.

اهمیت گام:

• هارمونی و ملودی: گام، چارچوب اصلی برای ساخت ملودی‌ها و آکوردهای یک آهنگ است.
• احساس آهنگ: گام‌های ماژور (Major) معمولاً حس شادی و روشنی را منتقل می‌کنند، در حالی که گام‌های مینور (Minor) حس غم و اندوه را القا می‌نمایند.
• همنوازی و تنظیم: برای همنوازی با یک آهنگ یا تنظیم مجدد آن، دانستن گام آهنگ یک ضرورت مطلق است.

اینو بلد باشید: گام تمام پرده: آموزش 0 تا 100 به زبان ساده

تشخیص گام آهنگ، اولین و مهم‌ترین قدم برای هرگونه تحلیل، تنظیم، ریمیکس یا کاور کردن یک قطعه موسیقی است.

ابزارهای مدرن: ۴ اپلیکیشن برتر تشخیص گام آهنگ

در دنیای دیجیتال امروز، هوش مصنوعی و الگوریتم‌های پیشرفته پردازش صدا، تشخیص گام (کی) یک آهنگ رو به کاری ساده و سریع تبدیل کرده. اگر نوازنده‌ای، دی‌جی یا فقط عاشق موسیقی، این اپ‌ها بهت کمک می‌کنن تا گام آهنگ رو فوری پیدا کنی و ازش برای تمرین، میکس یا تحلیل استفاده کنی. اینجا چهار تا اپ برتر موبایل رو معرفی می‌کنم که هر کدوم ویژگی‌های منحصربه‌فردی دارن و بر اساس نیازت می‌تونی انتخاب کنی.

۱. Chord ai – learn any song کورد ای آی

• دانلود از گوگل پلی
• دانلود از بازار
• دانلود از مایکت
• دانلود برای آیفون

Chord ai یک اپ هوشمند و قدرتمنده که روی هر دو پلتفرم iOS و Android کار می‌کنه و به نوازندگان کمک می‌کنه تا گام آهنگ رو همزمان با آکوردها تشخیص بدن. این اپ با تحلیل فایل‌های صوتی محلی، پخش زنده از میکروفون یا حتی ویدیوهای یوتیوب، گام ماژور یا مینور رو سریع شناسایی می‌کنه و توالی آکوردها رو هم نشون می‌ده. رابط کاربری ساده‌ش باعث می‌شه حتی مبتدی‌ها بتونن ازش استفاده کنن، در حالی که دقت بالا و سرعتش برای حرفه‌ای‌ها ایدئاله. می‌تونی از گوگل پلی یا اپ استور دانلودش کنی و بلافاصله شروع به تمرین با آهنگ‌های مورد علاقه‌ت کنی. نکته کلیدی اینه که علاوه بر گام، بیت (BPM) رو هم می‌ده، پس برای ساخت کاور یا میکس عالی عمل می‌کنه.

۲. Song Key Finder سانگ کی فاندر

• دانلود از گوگل پلی
• دانلود از بازار
• دانلود از مایکت
• دانلود برای آیفون

Song Key Finder یک اپ مخصوص اندروید است که تمرکز اصلی‌ش روی تشخیص گام و BPM آهنگه و برای دی‌جی‌ها و تنظیم‌کننده‌ها طراحی شده. با استفاده از میکروفون گوشی، می‌تونی موسیقی زنده رو تحلیل کنی یا فایل‌های صوتی محلی رو آپلود کنی تا گام دقیق رو بهت بده. رابط کاربری ساده و بدون پیچیدگی، این اپ رو به گزینه‌ای عالی برای کسانی تبدیل کرده که می‌خوان سریع نتیجه بگیرن بدون نیاز به دانش فنی زیاد. از گوگل پلی دانلودش کن و امتحان کن – نکته کلیدی اینه که در محیط‌های زنده مثل کنسرت یا تمرین، عملکرد خوبی داره و کمک می‌کنه آهنگ‌ها رو با هم مچ کنی. کلیت اپ سبک و کارآمده، پس فضای زیادی از گوشی‌ت نمی‌گیره.

روش تشخیص صدای نت ها+ نرم افزار تشخیص نت از روی صدا

۳. Auto-Key اتو کی

• دانلود از گوگل پلی
• دانلود از بازار
• دانلود از مایکت
• دانلود برای آیفون

Auto-Key یک اپ حرفه‌ای از شرکت Antares برای iOS است که تخصصش تشخیص سریع گام آهنگه و برای استفاده در استودیو یا تمرین‌های روزانه ایدئاله. کافیه چند ثانیه از صدا رو ضبط کنی تا اپ گام محتمل (ماژور یا مینور) و حتی گام دیاتونیک رو برگردونه. این اپ با الگوریتم‌های پیشرفته، دقت بالایی داره و به نوازندگان کمک می‌کنه تا آهنگ‌ها رو ترانسپوز کنن یا با سازشون هماهنگ کنن. از اپ استور دانلودش کن و ببین چقدر سریع کار می‌کنه – نکته کلیدی سرعت بالاشه که در لحظات خلاقانه، زمان رو هدر نمی‌ده. اگر با Auto-Tune کار می‌کنی، این اپ مکمل عالیه و تجربه کاربری رو لذت‌بخش می‌کنه.

۴. s.mart Song Key Identifier اسمارت سانگ کی ایدنتیفایر

• دانلود از گوگل پلی
• دانلود از بازار
• دانلود از مایکت
• دانلود برای آیفون

s.mart Song Key Identifier یک اپ اندرویدی از مجموعه smartChord است که گام آهنگ رو بر اساس توالی آکوردها یا نت‌هایی که وارد می‌کنی، تشخیص می‌ده. اگر بخشی از آکوردها رو می‌دونی، این اپ گام کلی رو محاسبه می‌کنه و برای کسانی که دستی نت‌نویسی می‌کنن یا chord progression دارن، عالیه. رابط کاربریش ساده و متصل به کاتالوگ بزرگ آهنگ‌هاست، پس می‌تونی مستقیم از اینترنت آهنگ بگیری و تحلیل کنی. از گوگل پلی دانلود کن و امتحان کن – نکته کلیدی اینه که برای موقعیت‌هایی که فایل صوتی نداری اما آکوردها رو می‌دونی، بهترین گزینه است و دقتش در تعیین کی بالا می‌ره. بخشی از ابزارهای گسترده‌تر موسیقیاییه، پس ارزش امتحان کردن داره.

تشخیص گام صدای خود+ برنامه تشخیص گام صدا

ابزارهای آنلاین: ۴ سایت برتر تشخیص گام آهنگ

اگر دوست نداری اپ نصب کنی و ترجیح می‌دی مستقیم از مرورگر کار کنی، این سایت‌ها گزینه‌های عالی هستن. معمولاً با آپلود فایل صوتی کار می‌کنن و نتایج رو سریع می‌دن، بدون نیاز به نرم‌افزار اضافی. اینجا چهار تا سایت برتر رو معرفی می‌کنم که هر کدوم برای نیازهای مختلف مناسبه، از دی‌جی‌ها تا تهیه‌کننده‌ها.

۱. Tunebat Analyzer تونبت آنالایز

• آدرس سایت

Tunebat Analyzer یک ابزار آنلاین قدرتمنده که گام و BPM آهنگ رو با آپلود فایل‌های صوتی مثل MP3 یا WAV تشخیص می‌ده و برای دی‌جی‌ها و تهیه‌کننده‌ها ایدئاله. تحلیل کاملاً در مرورگر انجام می‌شه و فایل‌ها به سرور ارسال نمی‌شن، پس حریم خصوصی حفظ می‌شه. در نسخه رایگان گام و تمپو رو می‌گیری، اما با پرو (۷.۹۹ دلار ماهانه) ویژگی‌هایی مثل انرژی، رقص‌پذیری و شادی آهنگ اضافه می‌شه. به سایت https://tunebat.com/Analyzer برو و فایلت رو درگ اند دراپ کن – نکته کلیدی محبوبیتش در تطبیق آهنگ‌ها (کی مچینگ) است و دقت الگوریتم‌هاش با ابزارهای تجاری برابری می‌کنه. اگر نتایج با دیتابیس اسپاتیفای فرق داشت، بدون که الگوریتم‌ها متفاوته.

۲. Vocalremover.org – Key and BPM Finder وکال ریمور

• آدرس سایت

Vocalremover.org با ابزار Key and BPM Finder، گام و تمپو رو از فایل‌های آپلودشده تشخیص می‌ده و با هوش مصنوعی سریع کار می‌کنه. می‌تونی چند فایل رو همزمان آپلود کنی و در چند ثانیه نتیجه بگیری، بدون ارسال فایل به سرور خارجی. ابزارهای جانبی مثل حذف صدای خواننده یا pitch shifter برای تغییر گام و تمپو، این سایت رو برای کاور کردن یا تنظیم عالی می‌کنه. به https://vocalremover.org/key-bpm-finder برو و امتحان کن – نکته کلیدی ترکیبش با ابزارهای دیگه مثل tap tempo برای محاسبه دستی BPM است که برای نوازندگان مفید می‌شه. حریم خصوصی و سرعت بالا، مزیت اصلیشه.

گام صدا در خوانندگی چیست+ فرق گام و اکتاو در خوانندگی

۳. GetSongKEY گت سانگ کی

• آدرس سایت

GetSongKEY یک سایت ساده و متمرکز برای تشخیص گام آهنگ است که با آپلود فایل‌های MP3 و فرمت‌های دیگه کار می‌کنه و نتایج دقیق می‌ده. رابط کاربری بدون پیچیدگی، این ابزار رو برای کاربرانی که می‌خوان سریع گام ماژور یا مینور رو پیدا کنن، ایدئال کرده. تحلیل سریع انجام می‌شه و هیچ داده‌ای ذخیره نمی‌شه، پس نگرانی امنیتی نداری. به https://getsongkey.com/tools/key-finder برو و فایلت رو آپلود کن – نکته کلیدی سادگی و تمرکز صرف روی تشخیص گام است که برای تازه‌کارها عالیه و نیاز به دانش اضافی نداره. اگر آهنگ معروف باشه، ممکنه از دیتابیس داخلی استفاده کنه.

۴. AudioKeychain اودیو کی چین

• آدرس سایت

AudioKeychain یک سایت جامع برای تشخیص گام و BPM است که با آپلود MP3 یا WAV (حداکثر ۱۵ مگابایت) کار می‌کنه و دیتابیس بزرگی از آهنگ‌ها داره. می‌تونی tracks رو جستجو کنی یا آپلود کنی تا برای ساخت mashup آهنگ‌های سازگار پیدا کنی. کاربران می‌تونن داده‌ها رو ویرایش کنن مثل ویکی، پس دیتابیس همیشه بروز می‌مونه. به https://www.audiokeychain.com/ برو و فایلت رو درگ اند دراپ کن – نکته کلیدی دیتابیس عظیمشه که بدون آپلود، گام آهنگ‌های معروف رو پیدا می‌کنه و برای تهیه‌کننده‌ها عالیه. نتایج رو اکسپورت کن و به اشتراک بگذار.

مطلب پرطرفدار سایت: 20 تا از محبوب ترین خوانندگان قرن 21

روش‌های سنتی تشخیص گام آهنگ (تقویت گوش موسیقایی)

با وجود ابزارهای هوشمند، یادگیری روش‌های سنتی تشخیص گام، مهارت‌های موسیقایی شما را به طرز چشمگیری تقویت می‌کند و شما را از وابستگی به تکنولوژی رها می‌سازد. این روش‌ها بر پایه تئوری موسیقی و تربیت گوش استوار هستند و برای هر موسیقیدانی ضروری است.

۱. تشخیص از طریق نت‌های تونیک و پایانی

تونیک (Tonic)، نت اصلی و مرکز ثقل گام است. در اکثر قطعات موسیقی، آهنگ با نت تونیک شروع می‌شود و با آکورد تونیک (آکورد ساخته شده بر روی نت تونیک) به پایان می‌رسد.

• گوش دادن به پایان آهنگ: به آخرین آکورد یا نت ملودی گوش دهید. این نت یا آکورد، به احتمال بسیار زیاد، نت یا آکورد تونیک است.
• آزمایش با ساز: نت پایانی را با ساز خود (پیانو، گیتار) بنوازید. سپس، یک گام ماژور یا مینور را از آن نت شروع کنید و ببینید آیا نت‌های آن گام با نت‌های ملودی آهنگ مطابقت دارند یا خیر.

۲. تشخیص از طریق آکوردهای اصلی (I, IV, V)

در موسیقی غربی، سه آکورد اصلی وجود دارند که بیشترین نقش را در تعریف گام ایفا می‌کنند: آکورد تونیک (I)، آکورد ساب‌دومینانت (IV) و آکورد دومینانت (V).

• پیدا کردن آکوردهای تکراری: به آکوردهایی که در طول آهنگ بیشتر تکرار می‌شوند، توجه کنید. این آکوردها معمولاً آکوردهای I، IV و V هستند.
• تشخیص آکورد V: آکورد دومینانت (V) یک حس قوی از بازگشت به تونیک (I) ایجاد می‌کند. اگر بتوانید آکوردی را پیدا کنید که بلافاصله قبل از آن، حس “حل شدن” و “پایان” به وجود می‌آید، آن آکورد V است و آکورد بعدی I (تونیک) خواهد بود.

محاسبه درجات گام در موسیقی ایرانی (به زبان ساده)

۳. استفاده از دایره پنجم‌ها (Circle of Fifths)

دایره پنجم‌ها یک ابزار بصری قدرتمند در تئوری موسیقی است که روابط بین گام‌ها را نشان می‌دهد.

• شمارش دیز و بمل: اگر نت‌های آهنگ را نت‌نویسی کرده‌اید، تعداد دیزها (#) یا بمل‌ها (b) را در کلید آهنگ بشمارید.
• تطبیق با دایره: با استفاده از دایره پنجم‌ها، تعداد دیزها یا بمل‌ها را با گام‌های ماژور و مینور متناظر تطبیق دهید. به عنوان مثال، اگر دو دیز دارید، گام شما احتمالاً ر ماژور (D Major) یا سی مینور (B Minor) است.

۴. تشخیص گام‌های ماژور و مینور (احساس آهنگ)

این روش بیشتر بر پایه حس موسیقایی استوار است:

• گام ماژور: اگر آهنگ حس شاد، روشن و کامل دارد، احتمالاً در یک گام ماژور است.
• گام مینور: اگر آهنگ حس غمگین، مرموز یا تاریک دارد، احتمالاً در یک گام مینور است.

این روش به تنهایی کافی نیست، اما می‌تواند دایره جستجوی شما را به نصف کاهش دهد.

آموزش انواع گام های پیانو (گام برای مبتدی ها)

نمودار جریان تشخیص گام سنتی

برای درک بهتر فرآیند تشخیص گام به روش سنتی، نمودار جریان زیر مراحل را به صورت بصری نشان می‌دهد:

گام مینور در موسیقی، روش نواختن و هر چیزی که باید بدانید

خلاصه و نتیجه‌گیری

تشخیص گام آهنگ، چه با ابزارهای هوشمند و چه با روش‌های سنتی، یک مهارت حیاتی برای هر موسیقیدان است. ابزارهای مدرن مانند Tunebat و Chord ai سرعت و دقت را به ارمغان می‌آورند، در حالی که روش‌های سنتی مانند تشخیص تونیک و استفاده از دایره پنجم‌ها، درک عمیق شما از تئوری موسیقی را تقویت می‌کنند.

بهترین رویکرد، ترکیب این دو است: از ابزارهای هوشمند برای تأیید سریع استفاده کنید و از روش‌های سنتی برای تربیت گوش و افزایش دانش تئوری خود بهره ببرید. با تسلط بر این مهارت، شما نه تنها قادر به تحلیل آهنگ‌ها خواهید بود، بلکه توانایی بداهه‌نوازی و تنظیم موسیقی را نیز در خود تقویت خواهید کرد.

نوشته 4 بهترین برنامه تشخیص گام آهنگ+ 4 سایت رایگان اولین بار در سازی ها. پدیدار شد.

در این مطلب کاربردی، به‌صورت جامع و تحلیلی به تمامی جنبه‌های رشته آهنگسازی در ایران می‌پردازیم: از تعریف و اهمیت آن گرفته تا تحصیلات، بازار کار، درآمد، آینده شغلی و نکات عملی برای موفقیت. هدف ما این است که شما را با دیدی شفاف و بدون ابهام با این رشته آشنا کنیم و راه‌حل‌های جدیدی برای موفقیت در آن ارائه دهیم که در مقالات دیگر کمتر به آن‌ها پرداخته شده است.

آهنگسازی چیست و چرا مهم است؟

آهنگسازی، به ساده‌ترین زبان، هنر خلق موسیقی است. آهنگساز کسی است که نت‌ها، ریتم‌ها و هارمونی‌ها را کنار هم قرار می‌دهد تا اثری خلق کند که احساسات را منتقل کند، داستان بگوید یا فضایی خاص را بسازد. فرقی نمی‌کند این موسیقی برای یک فیلم سینمایی باشد، یک آگهی تبلیغاتی یا یک کنسرت زنده؛ آهنگساز مثل یک نقاش است که به‌جای رنگ، از صدا استفاده می‌کند.

در ایران، آهنگسازی اهمیت ویژه‌ای دارد چون موسیقی بخشی جدانشدنی از فرهنگ ماست. از موسیقی سنتی و نواحی گرفته تا پاپ و کلاسیک، آهنگسازان نقش کلیدی در حفظ و گسترش این هنر دارند. آن‌ها نه‌تنها برای سرگرمی، بلکه برای انتقال پیام‌های فرهنگی، اجتماعی و حتی سیاسی از طریق موسیقی تلاش می‌کنند.

یک آهنگساز موفق باید:

• با سازهای مختلف آشنا باشد (پیانو معمولاً انتخاب اول است چون به درک ساختار موسیقی کمک می‌کند).
• حس قوی موسیقایی داشته باشد.
• بتواند با خلاقیت خود، چیزی بسازد که شنونده را تحت تأثیر قرار دهد.

یکبار برای همیشه زیر و روی آهنگسازی رو قورت بده: آموزش آهنگسازی از 0 تا 100 با 16 درس+ PDF 

مسیر تحصیلی برای آهنگسازی در ایران

برای ورود به دنیای آهنگسازی، چند مسیر مشخص در ایران وجود دارد که هر کدام مزایا و چالش‌های خودشان را دارند:

1. هنرستان‌های موسیقی

اگر از کودکی به موسیقی علاقه دارید، هنرستان‌های موسیقی بهترین نقطه شروع هستند. بعد از پایه ششم، با شرکت در آزمون ورودی می‌توانید وارد این هنرستان‌ها شوید. اینجا سه رشته اصلی ارائه می‌شود:

• نوازندگی ساز ایرانی
• نوازندگی ساز جهانی
• آهنگسازی

تحصیل در هنرستان چند سال طول می‌کشد و بعد از دیپلم، می‌توانید وارد دانشگاه شوید (با کنکور سراسری هنر) یا دوره‌های علمی-کاربردی را دنبال کنید. مزیت هنرستان این است که از سنین پایین شما را با مفاهیم حرفه‌ای موسیقی آشنا می‌کند.

2. دانشگاه‌ها

رشته آهنگسازی در مقاطع کارشناسی، ارشد و دکترا در دانشگاه‌هایی مثل دانشگاه تهران، دانشگاه هنر و دانشگاه علمی کاربردی تدریس می‌شود. در این دوره‌ها، شما با موضوعات زیر آشنا می‌شوید:

• تئوری موسیقی: پایه و اساس نت‌ها و ساختارها
• هارمونی: چطور صداها با هم ترکیب شوند
• کنتراپوئن: هنر ترکیب ملودی‌های مستقل
• سازشناسی: شناخت سازها و کاربردشان
• رهبری ارکستر: مدیریت اجرای گروه‌های موسیقی

این مسیر برای کسانی مناسب است که به دنبال تحصیلات آکادمیک و درک عمیق‌تر از موسیقی هستند.

بلد باشید: مهم ترین اصول آهنگسازی برای شروع حرفه ای

3. آموزشگاه‌های آزاد

اگر وقت یا شرایط تحصیل رسمی را ندارید، آموزشگاه‌های موسیقی گزینه‌ای عالی هستند. این آموزشگاه‌ها دوره‌های کوتاه‌مدت و تخصصی دارند، مثلاً:

• آهنگسازی با نرم‌افزار
• آهنگسازی برای سبک خاص (مثل پاپ یا سنتی)

این مسیر سریع‌تر شما را وارد بازار کار می‌کند، اما نیاز به خودآموزی بیشتری دارد.

مهارت‌هایی که یک آهنگساز باید داشته باشد

تحصیلات به‌تنهایی کافی نیست؛ آهنگسازی نیاز به مهارت‌های عملی و ذهنی دارد که باید آن‌ها را تقویت کنید:

• گوش موسیقایی قوی: باید بتوانید نت‌ها و ریتم‌ها را تشخیص دهید و حتی بدون ساز، موسیقی را در ذهنتان تصور کنید.
• خلاقیت: تکراری بودن در موسیقی یعنی شکست. باید ایده‌های تازه بیاورید.
• تسلط بر تکنولوژی: نرم‌افزارهایی مثل Ableton Live، Logic Pro یا Cubase ابزارهای اصلی آهنگسازان مدرن هستند.
• شناخت فرهنگ موسیقایی: موسیقی سنتی ایران، مقام‌ها و ردیف‌ها می‌توانند منبع الهام بی‌نظیری باشند.
• مهارت همکاری: کار با نوازندگان، خوانندگان و کارگردانان نیاز به ارتباط خوب دارد.

بازار کار آهنگسازی در ایران

بازار کار آهنگسازی در ایران در حال رشد است و فرصت‌های متنوعی دارد:

• تدریس: آموزشگاه‌ها، مدارس و حتی دانشگاه‌ها همیشه به مدرس موسیقی نیاز دارند.
• موسیقی فیلم و سریال: با رونق تولیدات سینمایی و تلویزیونی، آهنگسازان حرفه‌ای بیشتر از همیشه مورد نیازند.
• تئاتر: نمایش‌ها برای خلق حس و حال به موسیقی وابسته‌اند.
• تبلیغات: آگهی‌های تلویزیونی و آنلاین نیاز به موسیقی کوتاه و جذاب دارند.
• کار مستقل: می‌توانید آلبوم خودتان را بسازید و از طریق پلتفرم‌هایی مثل اسپاتیفای یا ساندکلاد منتشر کنید.
• همکاری با گروه‌ها: نوشتن قطعات برای گروه‌های موسیقی پاپ یا سنتی.

نکته جالب اینجاست که با دیجیتالی شدن موسیقی، شما دیگر محدود به شهر خودتان نیستید؛ می‌توانید برای پروژه‌های بین‌المللی هم کار کنید.

مکمل این مطلبه حتما بخونیدش: آموزش 24 نکته مهم که چگونه به یک آهنگساز خوب تبدیل شویم؟

درآمد آهنگسازان چقدر است؟

درآمد در آهنگسازی به عوامل زیادی بستگی دارد:

• تجربه: تازه‌کارها معمولاً پروژه‌های کوچک‌تر با درآمد کمتر می‌گیرند.
• شهرت: آهنگسازان معروف گاهی برای یک پروژه چند ده میلیون تومان می‌گیرند.
• نوع کار: موسیقی یک فیلم پرفروش درآمد بیشتری نسبت به یک تبلیغ ساده دارد.

به‌طور میانگین:

• آهنگسازان مبتدی: ۵ تا ۱۵ میلیون تومان در ماه
• آهنگسازان با تجربه: ۲۰ تا ۵۰ میلیون تومان در ماه
• آهنگسازان معروف: بالای ۱۰۰ میلیون تومان در ماه (بسته به پروژه)

برای افزایش درآمد، می‌توانید چند کار را همزمان انجام دهید: تدریس، تولید مستقل و کار پروژه‌ای.

آینده شغلی آهنگسازی در ایران

آینده این رشته در ایران روشن است، به دلایل زیر:

• رشد صنعت سرگرمی: فیلم، سریال و بازی‌های ویدیویی روزبه‌روز بیشتر می‌شوند.
• پلتفرم‌های دیجیتال: انتشار موسیقی حالا با یک کلیک ممکن است.
• علاقه عمومی به موسیقی: مردم ایران عاشق موسیقی‌اند و این تقاضا را بالا می‌برد.

اما رقابت هم بالاست. برای موفقیت، باید خودتان را متمایز کنید، مثلاً با ترکیب سبک‌های سنتی و مدرن یا استفاده از تکنولوژی‌های جدید.

راه‌حل‌های جدید برای موفقیت در آهنگسازی

اینجا چند ایده ارائه می‌دهیم که کمتر در مقالات دیگر دیده‌اید:

1. ساخت موسیقی برای محتواهای کوتاه: با محبوبیت تیک‌تاک و اینستاگرام، آهنگ‌های ۱۵-۳۰ ثانیه‌ای تقاضای زیادی دارند. روی این زمینه کار کنید.
2. همکاری با گیمرها: بازی‌های مستقل ایرانی در حال رشدند و نیاز به موسیقی دارند. این یک بازار بکر است.
3. ایجاد برند شخصی: یک سبک خاص برای خودتان بسازید (مثلاً تلفیق جاز و موسیقی کردی) و با آن شناخته شوید.
4. استفاده از هوش مصنوعی: ابزارهایی مثل Amper Music یا AIVA می‌توانند ایده‌های اولیه بدهند که شما آن‌ها را کامل کنید.

بلد باشید آموزش گام به گام آهنگسازی الکترونیک به‌ صورت اصولی

نکات و ترفندهای کاربردی برای شروع

حالا که همه‌چیز رو فهمیدید، بیاید چند نکته ساده و کاربردی رو با هم مرور کنیم:

1. هر روز تمرین کن: حتی اگه ۳۰ دقیقه باشه، ساز بزن یا یه ملودی جدید بنویس.
2. به همه‌چیز گوش بده: از داریوش بگیر تا بتهوون؛ هر سبکی چیزی بهت یاد می‌ده.
3. یه پورتفولیو بساز: کارات رو ضبط کن و تو یه سایت مثل ساندکلاد بذار.
4. نرم‌افزار یاد بگیر: FL Studio یا Ableton رو امتحان کن؛ کار باهاشون سخت نیست.
5. با بقیه ارتباط بگیر: تو گروه‌های موسیقی آنلاین یا حضوری عضو شو و خودتو معرفی کن.
6. صبور باش: یه شبه آهنگساز معروف نمی‌شی، ولی اگه ادامه بدی، حتما نتیجه می‌گیری.
7. خلاقیتت رو بیدار کن: یه دفترچه یادداشت داشته باش و هر ایده‌ای که به ذهنت میاد رو بنویس، حتی اگه عجیب باشه.

جمع‌بندی

رشته آهنگسازی در ایران هم چالش داره هم فرصت. اگه عاشق موسیقی هستی و حاضر به تلاش و یادگیری مداوم باشی، این رشته می‌تونه تو رو به جاهای بزرگی برسونه. از تحصیلات و مهارت‌ها شروع کن، تو بازار کار خودتو نشون بده و با خلاقیت و پشتکار، آینده‌تو بساز. امیدواریم این مقاله همه سوال‌هات رو جواب داده باشه و با اعتماد به نفس بیشتری قدم بعدی رو برداری.

لیست کامل وسایل با عکس: آهنگسازی به چه وسایلی نیاز دارد؟ از کجا باید شروع کنیم؟

نوشته رشته آهنگسازی در ایران: همه نکات کاربردی که باید بدانید اولین بار در سازی ها. پدیدار شد.

۱. نیازسنجی و هدف‌گذاری

ابتدا باید مشخص کنید که هدف شما از سفارش آهنگسازی چیست. آیا آهنگ برای استفاده تجاری، شخصی، تبلیغاتی یا حتی یک پروژه هنری است؟ تعریف دقیق نیازها و انتظارات شما به آهنگساز کمک می‌کند تا بتواند بهتر و بهینه‌تر به ایده شما نزدیک شود.

۲. انتخاب سبک و ژانر موسیقی

یکی از اصلی‌ترین مراحل در سفارش آهنگسازی، انتخاب سبک و ژانر مناسب است. هر سبک موسیقی دارای ویژگی‌ها و حس‌های خاصی است که بر انتقال پیام تأثیر می‌گذارد. اگر قصد دارید آهنگی آرام و دلنشین داشته باشید، سبک‌های پاپ یا کلاسیک می‌توانند گزینه‌های خوبی باشند. در حالی که اگر به دنبال یک آهنگ پرانرژی و جوان‌پسند هستید، سبک‌هایی مانند الکترونیک و راک پیشنهاد می‌شوند.

۳. بررسی نمونه کارهای آهنگساز

پیش از سفارش، حتماً نمونه کارهای آهنگساز را بررسی کنید. این کار کمک می‌کند تا با سبک، کیفیت و خلاقیت آهنگساز آشنا شوید. هر آهنگساز به نوع خاصی از موسیقی و تنظیمات تمایل دارد، بنابراین انتخاب کسی که سبک او به سلیقه و نیاز شما نزدیک باشد، بسیار اهمیت دارد.

۴. تعیین بودجه مناسب

هزینه آهنگسازی اختصاصی بسته به پیچیدگی پروژه، مدت زمان، سبک و شهرت آهنگساز متفاوت است. برای جلوگیری از مشکلات مالی و حفظ کیفیت کار، بهتر است پیش از شروع، بودجه‌ای معقول را تعیین کنید و با آهنگساز درباره هزینه‌ها صحبت کنید.

۵. روشن کردن جزئیات قرارداد

برای جلوگیری از سوءتفاهم‌های احتمالی، تمامی مواردی که انتظار دارید در پروژه لحاظ شود را به صورت مکتوب در قرارداد بیاورید. جزئیاتی از جمله تعداد بازبینی‌ها، مدت زمان تحویل پروژه، و حق استفاده از آهنگ همگی باید در قرارداد ذکر شوند. این موضوع به‌ویژه در موارد تجاری و تبلیغاتی که مالکیت حقوقی اهمیت دارد، ضروری است.

۶. تعیین زمان‌بندی دقیق

آهنگسازی یک فرآیند خلاقانه است که به زمان کافی نیاز دارد. از آهنگساز انتظار نداشته باشید که یک کار باکیفیت را در زمان خیلی کوتاه ارائه دهد. بنابراین، حتماً مدت زمان لازم برای تکمیل پروژه را با آهنگساز مشخص کنید و اگر زمان تحویل خاصی مدنظر دارید، پیش از شروع پروژه با او در میان بگذارید.

۷. ارتباط موثر و بازخورد

در طول فرآیند آهنگسازی، داشتن ارتباط مستمر و سازنده با آهنگساز بسیار مهم است. بازخوردهای مثبت و سازنده می‌تواند به آهنگساز کمک کند تا با ایده و دیدگاه شما بهتر آشنا شود و در صورت نیاز، تغییرات لازم را اعمال کند. از بازخوردهای صریح و روشن استفاده کنید تا هر دو طرف به نتیجه مورد نظر نزدیک‌تر شوید.

۸. اهمیت صدابرداری و میکس حرفه‌ای

بسیاری از افراد ممکن است تصور کنند که آهنگسازی تنها شامل خلق ملودی و تنظیم موسیقی است، اما در واقع، صدابرداری و میکس نیز اهمیت بسیاری دارند. اگر آهنگساز شما قادر به ارائه خدمات صدابرداری و میکس حرفه‌ای نیست، پیشنهاد می‌شود برای بهبود کیفیت نهایی، از یک متخصص صدا استفاده کنید.

۹. بررسی حقوق مالکیت و استفاده از اثر

حقوق مالکیت اثر بسیار مهم است، به‌ویژه اگر قصد استفاده تجاری از آهنگ را دارید. برخی آهنگسازان ممکن است تمامی حقوق آهنگ را به شما واگذار کنند، در حالی که برخی دیگر تنها اجازه استفاده محدود را به شما می‌دهند. این مسئله باید پیش از شروع همکاری مشخص شود تا در آینده مشکلات حقوقی به وجود نیاید.

۱۰. استفاده از نمونه‌های الهام‌بخش

ارائه نمونه‌هایی از آهنگ‌هایی که از نظر حس، سبک و ساختار به آن‌ها علاقه دارید، می‌تواند به آهنگساز کمک کند تا به ایده شما نزدیک‌تر شود. اگر آهنگساز بتواند از نمونه‌های شما الهام بگیرد، به احتمال زیاد نتیجه‌ای که می‌گیرید با انتظارات شما هماهنگ‌تر خواهد بود.

نتیجه‌گیری

سفارش آهنگسازی اختصاصی یک تصمیم مهم و هیجان‌انگیز است که نیاز به دقت و توجه به جزئیات دارد. از تعیین هدف و نیازها تا انتخاب آهنگساز و تنظیم قرارداد، همه مراحل باید با دقت انجام شوند. رعایت این نکات می‌تواند تجربه سفارش آهنگسازی را برای شما لذت‌بخش و موفقیت‌آمیز کند.

شما عزیزان میتوانید جهت سفارش آهنگسازی حرفه‌ای از طریق وب سایت محسن ناحی اقدام نمایید.

نوشته نکات مهم برای سفارش آهنگسازی اختصاصی اولین بار در سازی ها. پدیدار شد.

آهنگسازی یک فرآیند شناور و شگفت‌انگیز است که از ابتدای ایده‌پردازی تا مرحله اجرا و ضبط، به خلاقیت و دانش فنی نیازمند است. اصول آهنگسازی شامل مباحث گوناگونی از جمله هارمونی، ریتم، ملودی، ساختار و تنظیمات صوتی است. هر یک از این عوامل نقش بسیار مهمی در ایجاد یک اثر موسیقی دارند و از توانایی آهنگساز بستگی دارد که چگونه این عوامل را با هم ترکیب و تعادل دهد تا یک اثر بی‌نظیر بوجود آید.

آموزش آهنگسازی نیز یک فرآیند مهیج و پرماجرا است که نیازمند زمان، تمرین و ارتباط مستمر با دنیای موسیقی است. از طریق آموزش مبانی اولیه هارمونی، آکوردها، ملودی و تکنیک‌های تنظیم صدا، دانشجویان می‌توانند به تدریج به یک آهنگساز حرفه‌ای تبدیل شوند و قادر به ایجاد آثاری با ارزش و تأثیرگذار در دنیای موسیقی شوند.

مکمل این مطلبه حتما بخونیدش: آموزش 24 نکته مهم که چگونه به یک آهنگساز خوب تبدیل شویم؟

در این متن، به بررسی اصول و مبانی آهنگسازی، نحوه آموزش آن و تکنیک‌های مورد استفاده در ایجاد اثرهای موسیقی متنوع و جذاب خواهیم پرداخت. به امید اینکه این متن بتواند به علاقه‌مندان به هنر آهنگسازی در راه‌اندازی و تقویت مسیر آن‌ها کمک کند.

چگونه آهنگساز شویم؟

قبل از پرداختن به این موضوع لازم است که ابتدا لازم است بدانیم آهنگساز به چه کسی گفته می شود، چه کارهایی را انجحام می دهد و تفاوت آن با موزیسین چیست. در ادامه مقاله به تمامی این موضوعات پرداخته شده است.

آهنگساز:

آهنگسازان موسیقی اصیلی برای صحنه کنسرت، ضبط‌ها یا فیلم‌ها و دیگر رسانه‌های بصری می‌نویسند. اصطلاح آهنگساز معمولاً به موسیقی‌دانی اطلاق می‌شود که موسیقی کلاسیک، یا جاز، برای ارکستر، انسامبل، یا گروه کوچک می‌نویسد.

در حالی که آهنگسازانی هم هستند که ترانه‌سرا هستند، اگر موسیقی شما بیشتر مبتنی بر پاپ است یا به دور شعر ساخته شده، شما یک ترانه‌سرا نامیده می‌شوید. از نظر فنی، نوشتن ترانه، آهنگسازی است، اما بیشتر افرادی که خود را آهنگساز می‌خوانند معمولاً بر موسیقی کلاسیک یا سایر اشکال موسیقی به جز نوشتن ترانه‌ها تمرکز دارند.

مهم ترین اصول آهنگسازی برای شروع حرفه ای

به طور خلاصه، آهنگسازان نت ها و آهنگ هایی را می‌نویسند که توسط ارکسترها، انسامبل‌ها، گروه‌های کمبر، یا سینتی‌سایزرها و توالی‌سازها اجرا می‌شود. برخی از آهنگسازان همچنین رهبران ارکستر هستند، و بیشتر آنها از برنامه‌های پیشرفته نرم‌افزاری موسیقی برای نوشتن، تولید، و اجرای آثار موسیقایی خود استفاده می‌کنند.

تفاوت بین موزیسین (موسیقیدان) و آهنگساز :

یک موسیقیدان هر کسی است که موسیقی می‌سازد. این شامل آهنگسازان، تنظیم‌کنندگان، رهبران ارکستر، نوازندگان، خوانندگان، و دیگران می‌شود. بسیاری از موسیقیدان‌ها در چندتا از فعالیت های ذکر شده دخیل هستند؛ مثلاً یک آهنگساز که پیانو می‌نوازد، یک رهبر ارکستر که موسیقی تنظیم می‌کند.

سایر موسیقیدان‌ها فقط بر یکی از این‌ها تمرکز دارند — مثلاً، فردی که آهنگساز حرفه ای است ممکن اسن ارکستر ها رو رهبری نکند و یا در انظار عمومی اجرا نکند! او موسیقی می‌سازد که توسط ارکسترها و کُرها و غیره اجرا می‌شود.

به عبارتی همه آهنگسازان موسیقیدان هستند زیرا آنها موسیقی می‌سازند — همه موسیقیدان‌ها آهنگساز نیستند، زیرا برخی تنها بر اجرای موسیقی نوشته شده توسط دیگران تمرکز دارند.

به عبارتی همه آهنگسازان موسیقیدان هستند زیرا آنها موسیقی می‌سازند — همه موسیقیدان‌ها آهنگساز نیستند، زیرا برخی تنها بر اجرای موسیقی نوشته شده توسط دیگران تمرکز دارند.

آهنگسازی :

اصطلاحات “ترانه‌سرایی” و “آهنگسازی” اغلب به صورت مبادله‌ای استفاده می‌شوند، اما “ترانه‌سرایی” معمولاً به نوشتن هم موسیقی و هم شعر اشاره دارد. “آهنگسازی” به طور خاص به نوشتن موسیقی اشاره دارد.

اگر موسیقی بنویسید، شما یک آهنگساز هستید — هرچند که برای جمعیتی می‌نویسید یا فقط برای خودتان.

بلد باشید آموزش گام به گام و تصویری آهنگسازی الکترونیک به‌ صورت اصولی

پس چه چیزی برای آهنگسازی لازم است؟

برای شروع، حداقل نیاز به یک سطح متوسط از دانش و مهارت موسیقی و درک ابتدایی از نظریه موسیقی است. باید برخی از آموزش‌های صوتی داشته باشید و/یا حداقل یک ساز موسیقی را بزنید. بیشتر خوب است که همچنین بتوانید نمادگذاری موسیقی را بخوانید.

علاوه بر این، باید عاشق موسیقی باشید، تمایل به ایجاد داشته باشید و به فرایند متعهد باشید (زیرا ممکن است مدتی طول بکشد). اما بیشتر از همه، باید تمایل به ادامه یادگیری و رشد داشته باشید.

اگر این به نظر شما می‌آید، در مکان مناسب هستید. گام اول این است که ابزارهای خود را جمع‌آوری کنید.

ابزار های مورد نیاز برای آهنگسازی

شما برای شروع آهنگسازی نیاز به چند ابزار اساسی دارید، اما همانطور که برای تنظیمات ضبط استودیو خانگی خود ابتدایی شروع می‌کنید، می‌توانید با اساسی‌ترین ابزارها شروع کنید و در صورت نیاز (با گذراندن تجربه) ابزار های دیگر را اضافه کنید.

سازها: برای آهنگسازی ساز های پیانو و گیتار محبوب تری انتخاب ها هستند. البته که هر چقدر حرفه ای تر بشوید نیازباید سازهای دیگر رو هم داشته باشید.در واقع، استفاده از یک ساز متفاوت از آن سازی که با آن بیشتر راحت هستید، می‌تواند به شما کمک کند تا ایده‌های بسیار منحصر به فردی بیاورید.

• شما نیازی به تخصص در همه‌چیز ندارید — و فراموش نکنید، صدای شما همچنین یک ساز است!

دستگاه‌های ضبط: شما نیاز به چیزی برای ضبط ایده‌های خود دارید، برای مثال تلفن همراهتان، تبلت، لپتاپ، یک دفترچه یادداشت فیزیکی، یا ترکیبی از این‌ها.

• هر چیزی که انتخاب کنید، مطمئن شوید که همیشه چیزی در دسترس داشته باشید و بهتر است از نرم‌افزار استفاده کنید که به شما کمک کند تمام ایده‌ها و کارهای در حال انجام خود را در یک فضا نگه دارید تا زمانی که نیاز دارید بتوانید آن‌ها را پیدا کنید.

لیست کامل وسایل با عکس: آهنگسازی به چه وسایلی نیاز دارد؟ از کجا باید شروع کنیم؟

نرم‌افزار نمایش نت: هرچند که می‌توانید ایده‌های خود را با مداد و کاغذ نواخته، اما به زودی می‌خواهید موسیقی خود را به شکل دیجیتال برسانید. برای تولید نت‌های خود به نرم‌افزار نمایش نت نیاز دارید.

• بعضی از بسته‌های محبوب شامل Finale، Sibelius و Muse Score هستند (یک گزینه رایگان عالی.)

یک کارگاه کاری صوتی دیجیتال (DAW): بعداز آن، نیاز به نرم‌افزار برای ضبط، بهبود ترک‌های خود، مخلوط کردن و مسترینگ دارید. Logic یا Garage Band برای مک گزینه ی مناسبی هستند چرا که به شما اجازه می‌دهد بدون داشتن دانش فنی زیاد، خلاق باشید.همچنین برای کامپیوترهای شخصی نیز بسیاری از گزینه‌های خوبی وجود دارد، از جمله ProTools و FL Studio.

• خوشبختانه، منابع زیادی برای کمک به شما در یادگیری همه این ابزارها وجود دارد. علاوه بر آموزش‌ها و منابع دیگری که نرم‌افزار ارائه می‌دهد، می‌توانید به دنبال دوره‌های آموزشی، انجمن‌ها و انجمن‌های آنلاین، ویدیوهای یوتیوب و غیره بگردید.

مهم‌تر از همه، فقط وارد شوید و شروع به آزمایش کنید. به سادگی شروع کنید، مهارت‌های لازم برای آهنگسازی اساسی را به دست آورید و همچنین در حال یادگیری باشید.

باید بلد باشید: آموزش اصطلاحات موسیقی (رایج ترین ها)

دروس آموزشی ویدیویی

ابتدا یادگیری اصول و مفاهیم اولیه آهنگسازی با 5 درس

این دروس رایگان برگرفته از پیج موزیک آفرین هستند:

دروس کامل آهنگسازی:

این دروس رایگان برگرفته از پیج  هستند:

دانلود PDF رایگان آهنگسازی

  دانلود با حجم حدود 17 مگابایت

توصیه هایی برای یادگیری آهنگسازی :

1. شروع از جایی که هستید: قبول کنید که هرکسی از اولین تلاشش یک سمفونی عالی و کامل را نمی‌نوازد. اگر شما یک آهنگساز تازه‌کار با مهارت‌های موسیقی ابتدایی تا متوسط ​​هستید، این وضعیت را بپذیرید. با زمان و راهنمایی و پشتیبانی مناسب، می‌توانید حتی با مهارت‌های ابتدایی موسیقی، موسیقی خوبی ایجاد کنید و تنها بهتر می‌شوید.

2. قدم‌های کوچک بردارید: مهم نیست که مهارت موسیقی شما چقدر باشد، از اینکه به سراغ نوشتن برای یک ارکستر کامل یا گروه هورن ۹ نفره نروید. به جای آن، با یک ساز شروع کنید. هنگامی که به آن راحت شدید، می‌توانید چندین قطعه گیتار یا پیانو بنویسید، و بعد از آن، می‌توانید سایر سازها را اضافه کنید. ابتدا به پایان پروژه‌های ساده برسید و با هر قطعه، مطمئن شوید که می‌آموزید و با اعتماد به نفس بیشتری روبرو می‌شوید.

3. حاضر به تمرین باشید: تمرین را به عنوان یک روش زندگی ببینید، مثل روش زندگی پزشکان، وکلا، و حرفه‌ای‌های دیگر. تصور کنید که به عنوان یک حرفه‌ای که عاشق موسیقی هستید، زندگی می‌کنید و تنفس می‌کنید.

4. استمرار در ادامه کار: شما تنها با ادامه کار و تمرین‌های خود خودتان را بهتر می‌کنید. حتی بعد از یادگیری مهارت‌ها و دانش شما، مهم است که یک فهرست (یا حتی یک ارث شخصی) ایجاد کنید.

5. کمالگرا نباشید: کمالگرایی یک مانع در برابر خلاقیت و پیشرفت است. ما اغلب با یک ایده و تصوری از آن چگونه می‌خواهیم به پروژه‌ی خود صدا دهیم، ولی در نهایت متوجه می‌شویم که از نظر دقیقاً همانطور که تصور کرده‌ایم، نیست. این درست است. این بخشی از فرآیند خلاق است. سعی کنید با استفاده از هر وسیله‌ای که ممکن است بهترین آهنگ را ایجاد کنید، اما اجازه ندهید که دید کمالگرایانه از اشتراک کارتان با دیگران شمارا منع کند.

آهنگسازی چیست؟ مهارتهای لازم، نقش آهنگساز و 7 نکته کاربردی

6. آزمایش کنید: با نگرش بازیگوش به هر قطعه‌ی جدیدی که می‌نویسید برخورد کنید. چیزهای جدید امتحان کنید. هیچ تلاشی بی‌ثمر نیست و اگر قسمتی در یک آهنگ کار نکند، همیشه می‌توانید آن را تغییر دهید یا در یک آهنگ دیگر استفاده کنید. ایده‌ها نا محدود هستند. از تجربه و خطرپذیری خود نترسید. شما با آنچه که می‌توانید به آن برسید، متعجب خواهید شد.

7. به طور مداوم یاد بگیرید: روحیه ی پیشرفت طلب داشته باشید. نوشتن موسیقی یک پیگیری مادام العمر است، نه نتیجه نهایی. هر چه بیشتر با آن کار کنید، بیشتر در مورد موسیقی، صنعت و آهنگسازی یاد می‌گیرید. همچنین سایر سازها را یاد می‌گیرید، فناوری‌های جدید را تسلط می‌یابید و با افراد با استعداد مختلفی کار می‌کنید. اگر یادگیری مداوم شما را هیجان‌انگیز می‌کند، به مکان مناسبی رسیده‌اید!

8. همکاری کنید: همیشه به دنبال همکاران نویسندگی، یا هم‌نویس‌ها باشید. با افراد اهل موسیقی در جامعه محلی خود یا در شهرهایی که سفر می‌کنید، شبکه‌سازی کنید. به مراحل باز یا گردهمایی‌های ترانه‌سرایی بروید و به انجمن‌های آنلاین رایگان یا پولی بپیوندید. فکر نکنید که باید به تنهایی بروید. فرصت‌های شما با هر اتصال به شخص معتبر افزایش پیدا می کند.

9. پشتیبانی پیدا کنید: یک معلم یا راهنما خوب می‌تواند به شما کمک کند تا در کسب دانش خود، سریع‌تر یاد بگیرید. بنابراین دوباره، به جوامع یا انجمن‌های آنلاین بپیوندید. برای شرکت در مسابقات و چالش‌های (قانونی) ترانه‌سرایی و آهنگسازی ثبت‌نام کنید. به اردوهای موسیقی و آهنگسازی بروید. از معلمان یا همکاران موسیقی خود بپرسید که آیا کسی را می‌شناسند که بتواند به شما کمک کند. به طور کلی، شبکه بندی کنید.

اف ال استودیو بهترین نرم افزار اهنگسازیه: کاربرد و ویژگیهای نرم افزار اف ال استودیو، ترفندها و نسخه ها

یادتون باشه …

در این مقاله سعی شد در ابتدا مفاهیم مرتبط با آهنگسازی و آهنگساز توضیح داده شود و شما دید بازتری نسبت به این حرفه داشته باشید. در ادامه نیز ابزارهای ابتدایی و اساسی که برای شروع کار آهنگسازی مورد نیاز است مورد بررسی قرار گرفت و در پایان نیز توصیه هایی که آهنگسازان حرفه ای همواره با تازه کاران را دارند را برای شما آوردیم.

همانطور که در طول مقاله گفته شد در هر حرفه ای تمرین و استمرار، شروع به کار ، عدم کمالگرایی و شبکه بندی با سایر اهالی موسیقی در موفقیت شخص بسیار اهمیت دارد. بنابراین اگر هدف شما تبدیل شدن به یک آهنگساز حرفه ای است از همین امروز شروع کنید! تیم ما همواره برای شما آرزوی موفقیت خواهد داشت.

نوشته آموزش آهنگسازی از 0 تا 100 با 16 درس+ PDF رایگان اولین بار در سازی ها. پدیدار شد.

با داشتن ویژگی‌هایی همچون ویرایشگر متنوع، پلاگین‌های قدرتمند، ابزارهای سینتی‌سایزر و سمپلرهای حرفه‌ای، FL Studio امکانات بیشماری را برای تولیدکنندگان موسیقی ارائه می‌دهد. علاوه بر این، واجهه کاربری کارآمد FL Studio به کاربران امکان می‌دهد به راحتی و با کارایی بالا، ایده‌های خلاقانه خود را به واقعیت بپیوندند.

دیدن این کلیپ های آموزنده را از دست ندهید: دانلود 12 درس رایگان آموزش آهنگسازی و تنظیم موسیقی با کامپیوتر

کاربرد و ویژگی های نرم افزار :

نرم‌افزار FL Studio یکی از قدرتمندترین و پرکاربردترین ابزارهای تولید موسیقی و صدا است که توسط تولیدکنندگان موسیقی از سطح مبتدی تا حرفه‌ای بسیار محبوب استفاده می‌شود. این نرم‌افزار امکانات بیشماری را برای تولید و ویرایش موسیقی ارائه می‌دهد که به شرح زیر است:

1. ویرایش و آهنگ‌سازی: FL Studio ابزارهای قدرتمندی برای ویرایش و ساخت موسیقی الکترونیک، هیپ هاپ، پاپ و سبک‌های دیگر فراهم می‌کند. این ابزار شامل ویرایشگر پیانو، سینتی‌سایزرها، سمپلرها، درام ماشین، و افکت‌های صوتی است که به کاربران امکان می‌دهد آثار خلاقانه و منحصر به فردی را ایجاد کنند.
2. پشتیبانی از پلاگین‌ها: FL Studio از پشتیبانی کامل از پلاگین‌ها برای افزایش قابلیت‌های نرم‌افزار استفاده می‌کند. کاربران می‌توانند از پلاگین‌های مختلف مانند VST، VSTi، DX و DXi استفاده کرده و تنوع و تنظیمات موسیقی خود را بهبود بخشند.
3. میکس و مسترینگ: FL Studio دارای ابزارهای پیشرفته‌ای برای میکس و مسترینگ آهنگ‌ها است. امکاناتی همچون Mixer، محافظت دینامیکی، معادله‌سازی، و افکت‌های صوتی متنوع، کاربران را در بهبود کیفیت صدا و ایجاد میکس‌های حرفه‌ای کمک می‌کند.
4. واجهه کاربری کارآمد: FL Studio با واجهه کاربری مدرن و کارآمدی که دارد، به کاربران امکان می‌دهد به راحتی با ابزارها و قابلیت‌های مختلف نرم‌افزار آشنا شوند و ایده‌های خود را به سرعت به واقعیت بپیوندانند.
5. قابلیت اشتراک‌گذاری و همکاری: FL Studio امکاناتی برای اشتراک گذاری پروژه‌ها و همکاری در تولید موسیقی با دیگر کاربران را فراهم می‌کند. این امکانات به تولیدکنندگان موسیقی اجازه می‌دهد تا با همکاری در یک پروژه، آثاری قدرتمند و ارزشمند را ایجاد کنند.

به طور کلی، FL Studio با ترکیب قابلیت‌های قدرتمند و کاربردی، واجهه کاربری مدرن و امکانات همکاری و اشتراک‌گذاری، یکی از بهترین انتخاب‌ها برای تولید موسیقی الکترونیک و صدا است.

5 تا از بهترین استودیوهای موسیقی در شهرهای بزرگ ایران

میکس حرفه ای با FL Studio:

با استفاده از نرم‌افزار FL Studio می‌توان به طور حرفه‌ای میکس کارهای موسیقی را انجام داد. FL Studio یکی از ابزارهای مورد علاقه تولیدکنندگان موسیقی حرفه‌ای است و امکانات بسیاری را برای میکس و مسترینگ آهنگ‌ها فراهم می‌کند.

در فرآیند میکس کردن، FL Studio ابزارهای متنوعی ارائه می‌دهد که به کاربران اجازه می‌دهد تا به صورت دقیق و دلخواه صداها را تنظیم و تراز کنند. از جمله این ابزارها می‌توان به Mixer، Equalizer، Compressor، و Limiter اشاره کرد. Mixer در FL Studio به کاربران امکان می‌دهد تا کانال‌های مختلف صدا را به هم مخلوط کنند و کنترل دقیقی بر روی حجم، پن، و افکت‌های هر کانال داشته باشند.

Equalizer به کاربران اجازه می‌دهد تا فرکانس‌های مختلف صدا را تنظیم کنند تا تعادل صدا را به دست آورند. Compressor به کاربران امکان می‌دهد تا دینامیک صدا را کنترل کنند و حجم‌های مختلف آن‌ها را تنظیم کنند. و Limiter به کاربران اجازه می‌دهد تا حداکثر حجم ممکن برای آهنگ را تعیین کرده و جلوی سر درآمدن ویولن‌های ناخواسته را بگیرند.

علاوه بر این، FL Studio ابزارهای پیشرفته‌ای برای میکس و مسترینگ آهنگ‌ها ارائه می‌دهد. از جمله این ابزارها می‌توان به Stereo Shaper، Reverb، Delay، و Chorus اشاره کرد. Stereo Shaper به کاربران امکان می‌دهد تا تأثیرات استریو را به صداهایشان اضافه کنند و آن‌ها را به صورت یکپارچه تر کنند. Reverb به کاربران اجازه می‌دهد تا افکت‌های پخش صدا را تنظیم کنند تا صدای آهنگ‌هایشان بهتر شود. Delay به کاربران امکان می‌دهد تا تأخیرهای مختلف را به صداها اضافه کنند و به آن‌ها احساس عمق بدهند. و Chorus به کاربران اجازه می‌دهد تا تأثیرات چندگانه را به صداهایشان اضافه کنند و آن‌ها را به صورت فضایی تر کنند.

به طور کلی، FL Studio یکی از بهترین ابزارهای موجود برای میکس و مسترینگ آهنگ‌هاست و به کاربران امکان می‌دهد تا به طور حرفه‌ای صداهایشان را بهینه کنند و آثاری با کیفیت بالا ایجاد کنند.

دانلود نرم افزار و آموزشهای رایگان اف ال استودیو (صفر تا صد)

نسخه های مختلف نرم افزار :

FL Studio در واقع در سه نسخه مختلف برای سه سیستم عامل متفاوت منتشر می‌شود:

1. FL Studio for Windows: این نسخه برای کاربران ویندوز عرضه شده است و از ویژگی‌ها و امکانات کامل نسخه دسکتاپ FL Studio برخوردار است.

2. FL Studio Mobile for Android: این نسخه از FL Studio به صورت اختصاصی برای دستگاه‌های اندرویدی طراحی شده است. این نسخه امکاناتی مشابه نسخه دسکتاپ را فراهم می‌کند اما با واجهه و ساختار بهینه‌تر برای استفاده روی دستگاه‌های تاچ اسکرین.

3. FL Studio for Mac: این نسخه از FL Studio به صورت رسمی برای سیستم‌عامل macOS ارائه شده است. نسخه مک از FL Studio همچنین از قابلیت‌ها و ویژگی‌هایی که کاربران مک انتظار دارند، پشتیبانی می‌کند.

هر یک از این نسخه‌ها با ویژگی‌ها و ابزارهای منحصر به فرد خود، به کاربران امکان می‌دهد تا بر اساس سیستم عاملی که استفاده می‌کنند، تجربه تولید و ویرایش موسیقی حرفه‌ای را داشته باشند.

تجهیزات استودیویی: لیست همه ابزاری که نیاز دارید

مقایسه نسخه ویندوز، اندروید و مک:

مقایسه بین نسخه‌های FL Studio برای سه سیستم عامل مختلف، یعنی ویندوز، مک، و اندروید، بستگی به نیازها و ترجیحات شما دارد. در ادامه، مقایسه‌ای بین این سه نسخه را ارائه می‌دهم:

1. FL Studio for Windows:

• این نسخه دارای کامل‌ترین ویژگی‌ها و امکانات است. اغلب به روزرسانی‌ها و افزایش‌های جدید ابزارها و افکت‌ها ابتدا برای نسخه ویندوز عرضه می‌شود.
• پشتیبانی از پلاگین‌ها و افکت‌های بیشتری دارد که به عنوان افزونه‌ها می‌توانید از آنها برای گسترش قابلیت‌های نرم‌افزار استفاده کنید.
• این نسخه قابلیت‌های بیشتری برای تنظیمات و سفارشی‌سازی دارد و به کاربران اجازه می‌دهد تا بر اساس نیازهای خود فضای کاری خود را شخصی‌سازی کنند.

2. FL Studio for Mac:

• در حال حاضر، نسخه مک FL Studio نسبت به نسخه ویندوز کمی کمتر امکانات دارد، اما با گذشت زمان و بهبودهای مستمر، ویژگی‌ها و امکانات آن به تدریج به نزدیکی به نسخه ویندوز می‌رسد.
• این نسخه به طور کلی با ویژگی‌ها و ابزارهایی که کاربران مک انتظار دارند، سازگار است و به راحتی قابل استفاده است.

3. FL Studio Mobile for Android:

• این نسخه مناسب برای کسانی است که به دنبال یک راه حل ساده و قابل حمل برای تولید موسیقی هستند.
• محدودیت‌هایی در مقایسه با نسخه‌های دسکتاپ دارد، اما با این حال ابزارهای کاربردی برای ساخت موسیقی را فراهم می‌کند.

بنابراین، اگر شما یک تولیدکننده موسیقی حرفه‌ای هستید و به دنبال کامل‌ترین ویژگی‌ها و امکانات هستید، نسخه ویندوز ممکن است گزینه مناسبی باشد. اما اگر شما از سیستم‌عامل مک یا اندروید استفاده می‌کنید یا به دنبال یک راه‌حل قابل حمل هستید، نسخه‌های مخصوص این سیستم‌ها نیز گزینه‌های مناسبی می‌توانند باشند.

کارت صدا استودیو: راهنمای خرید و 5 تا از بهترین مدلها+ نکات مهم

ترفندهای کاربردی اف ال استودیو

1. استفاده از میان‌برهای صفحه کلید

FL Studio دارای میان‌برهای زیادی است که به شما کمک می‌کند تا کارتان را سریع‌تر انجام دهید. برخی از مهم‌ترین میان‌برها عبارتند از:

• Ctrl + T: افزودن ترک جدید در پلی‌لیست.
• Ctrl + Z: آخرین کار را لغو (Undo) کنید.
• Ctrl + Shift + Z: لغو چندگانه (Multiple Undo).
• Alt + Q: Quantize کردن نت‌ها در پیانو رول.
• Ctrl + S: ذخیره پروژه.

2. استفاده از قابلیت “Ghost Notes”

قابلیت Ghost Notes به شما امکان می‌دهد تا نت‌های دیگر کانال‌های میدی (MIDI) را در پیانو رول ببینید. این ویژگی برای هماهنگی بین ملودی‌ها و اکوردها بسیار مفید است. برای فعال‌سازی:

• به Piano Roll بروید و Alt + V را بزنید تا Ghost Notes فعال شود.

3. ساخت تمپلیت‌های شخصی

شما می‌توانید تمپلیت‌هایی را برای پروژه‌های خود ایجاد کنید تا نیازی به تنظیم مجدد کانال‌ها و پلاگین‌ها در هر پروژه نداشته باشید. کافی است پس از تنظیم محیط کاری دلخواه، پروژه را به عنوان تمپلیت ذخیره کنید:

• به File > Save as Template بروید و تمپلیت خود را ذخیره کنید.

4. استفاده از Pattern‌ها در پلی‌لیست

برای نظم دادن به پلی‌لیست و بهتر مدیریت کردن پروژه، بهتر است هر المان را در Patternهای جداگانه قرار دهید. به عنوان مثال، یک Pattern برای درام‌ها، یکی برای بیس و دیگری برای ملودی اصلی داشته باشید. این کار مدیریت پروژه را ساده‌تر می‌کند.

5. استفاده از پلاگین “Fruity Limiter” برای Sidechaining

افکت Sidechain یکی از مهم‌ترین تکنیک‌ها در میکس است. برای ایجاد Sidechain در FL Studio:

• در Mixer، کانال موردنظر را انتخاب کنید.
• در کانال مقصد، پلاگین Fruity Limiter را اضافه کنید.
• به تب Compressor بروید و منبع Sidechain را انتخاب کنید.
• با تنظیم Threshold و Ratio، Sidechain را تنظیم کنید.

6. استفاده از Automation Clips

یکی از ویژگی‌های قدرتمند FL Studio، Automation Clip‌ها هستند که به شما امکان می‌دهند پارامترهای مختلف (مانند ولوم، فیلتر و غیره) را به صورت دینامیک تغییر دهید. برای ایجاد یک Automation Clip:

• روی هر پارامتری راست کلیک کنید و گزینه Create Automation Clip را انتخاب کنید.

7. پیش‌تنظیمات (Presets) در پلاگین‌ها

FL Studio دارای پلاگین‌های زیادی است که هر کدام تنظیمات پیش‌فرض یا Presetهای آماده‌ای دارند. استفاده از این پیش‌تنظیمات می‌تواند به شما کمک کند تا سریع‌تر صداهای دلخواه خود را پیدا کنید. پلاگین‌های مثل Sytrus، Harmor و Harmless دارای پیش‌تنظیمات بسیار متنوعی هستند.

8. Layering صداها

برای ایجاد صدای پیچیده‌تر، می‌توانید چندین صدا را لایه‌گذاری کنید. از Channel Layer استفاده کنید تا چندین صدا را با هم ترکیب کنید. کافی است:

• به بخش Channel Rack بروید.
• یک Layer Channel اضافه کنید و صداهایی که می‌خواهید ترکیب شوند را انتخاب کنید.
• سپس در پنجره Layer، گزینه Set children را بزنید.

9. استفاده از Edison برای ضبط و ویرایش صوت

Edison یک پلاگین قدرتمند در FL Studio است که برای ضبط، ویرایش و پردازش فایل‌های صوتی استفاده می‌شود. با این ابزار می‌توانید صداها را ضبط، برش، و افکت‌های مختلف را اعمال کنید.

10. مدیریت سریع کانال‌ها با F2 و رنگ‌بندی

می‌توانید برای تمیزتر شدن پروژه‌ها، کانال‌ها و Pattern‌های خود را رنگ‌بندی کنید و نام‌گذاری دقیق داشته باشید:

• روی نام کانال راست کلیک کنید و Rename and Color را انتخاب کنید.
• همچنین با زدن F2، به‌سرعت نام کانال‌ها را تغییر دهید و رنگ‌بندی کنید.

11. استفاده از پلاگین “Fruity Parametric EQ 2”

این پلاگین یکی از قوی‌ترین ابزارهای EQ در FL Studio است که به شما امکان می‌دهد به‌طور دقیق فرکانس‌ها را در صداها کنترل کنید. به کمک این پلاگین می‌توانید صداها را تمیزتر و باکیفیت‌تر میکس کنید.

دانلود کنید برای اف ال استودیو: بهترین پلاگین های FL Studio (11 پلاگین واقعا لازم)

یادتون باشه …

در این متن، ما با نرم‌افزار FL Studio آشنا شدیم که یکی از قدرتمندترین ابزارهای تولید موسیقی و صدا محسوب می‌شود. FL Studio امکانات بی‌نظیری برای تولید و ویرایش موسیقی الکترونیک، هیپ هاپ، پاپ و سبک‌های دیگر فراهم می‌کند.

این نرم‌افزار با ویژگی‌هایی همچون ویرایشگر متنوع، پشتیبانی از پلاگین‌ها، ابزارهای سینتی‌سایزر و سمپلرهای حرفه‌ای، واجهه کاربری کارآمد و امکانات همکاری و اشتراک‌گذاری، به کاربران امکان می‌دهد تا به راحتی آثار خلاقانه و منحصر به فردی را ایجاد کنند. همچنین، با نسخه‌های مختلف برای ویندوز، مک، و اندروید، FL Studio به انتخاب گسترده‌ای از کاربران پاسخ می‌دهد، اما بر اساس نیازها و ترجیحات شخصی، هر کدام از این نسخه‌ها مزایا و محدودیت‌های خود را دارند.

در نهایت، FL Studio به عنوان یکی از بهترین و معتبرترین ابزارهای تولید موسیقی در صنعت موسیقی الکترونیک شناخته می‌شود و برای تولیدکنندگان موسیقی از سطح مبتدی تا حرفه‌ای، یک ابزار بسیار قدرتمند و مورد اعتماد است.

نوشته کاربرد و ویژگیهای نرم افزار اف ال استودیو، ترفندها و نسخه ها اولین بار در سازی ها. پدیدار شد.

تنظیم موسیقی تاثیر زیادی روی شنونده می گذارد و باعث جذاب و شنیدنی تر شدن آهنگ می شود. با اینکه همه ترانه سراها با اشتیاق فراوان شروع به تنظیم آهنگ می کنند؛ اما اغلب اوقات این مسیر برایشان به فرایندی خسته کننده و طولانی تبدیل می شود که پر از آزمون و خطاهای تمام نشدنی است. حالا ما اینجا هستیم تا در 10 مرحله مفید و موثر به شما کمک کنیم تا با صرف زمان اندک به نتیجه ای مطلوب برسید و بهترین تنظیمها را روی آهنگهایتان اعمال کنید.

مرحله 1- مطمئن شوید که آهنگتان بدون تنظیم خوب و بی مشکل است

به این فکر کنید که آیا آهنگتان به تنهایی و وقتی آن را با پیانو یا گیتار می نوازید خوب و بدون مشکل است؟ اگر آهنگ به خودی خود “عالی” نباشد، هر چقدر هم که تنظیم شما خوب و حرفه ای باشد مشکل آهنگ برطرف نخواهد شد.

شما باید این موارد را در نظر بگیرید:

• آیا گروه کُر قوی است؟
• آیا ریتم اصلی ملودی سرجایش است؟
• آیا آهنگ هارمونی و ملودی خوبی دارد؟

باید انقدر روی آهنگتان کار کنید تا زمانی که بدون تنظیم و فقط با پیانو یا گیتار عالی و بی نقص باشد. این مرحله اهمیت خیلی زیادی دارد. آهنگ بد حتی با بهترین تنظیم و تولید هم باز آهنگ بد باقی میماند؛ اما اگر آهنگتان خوب باشد حتی با کمی تنظیم باز هم کیفیت خوبش حفظ می شود. هر چقدر که روی این نکته تاکید کنیم کم است. بنابراین قبل از رفتن به مرحله دوم، حتما از کیفیت خوب آهنگتان مطمئن شوید.

آموزش گام به گام و تصویری آهنگسازی الکترونیک به‌ صورت اصولی

مرحله 2- ببینید آهنگتان چه ژانرهایی را در برمیگیرد

قبل از شروع فرایند تنظیم یا تولید بهتر است که چند آهنگ مرجع پیدا کنید. وجود آهنگهای مرجع هم در مرحله تنظیم و تولید مهم هستند و هم در مرحله میکس و مسترینگ. حالا ممکن است بگویید: “من دلم نمیخواهد کار کسی را کپی کنم و میخواهم کارم کاملا اورجینال باشد”. اما واقعیت این است که حتی حرفه ای ترین و بهترین آهنگسازها هم که کارشان بسیار اصیل و ناب است دائما از آثار دیگران الهام و ایده می گیرند.

فرقی نمی کند آهنگی را صرفا برای الهام گرفتن گوش کنید یا اینکه اثری را از لحاظ زاویه دید شخص در مواجهه با یک شرایط خاص بررسی کنید؛ در هر صورت همه این کار را انجام می دهند و اتفاقا خیلی هم ضروری است. نگران کپی کردن از کار کسی نباشید؛ تکرار دقیق یک اثر کار سختیست و قرار هم نیست شما چنین کاری کنید، مگر اینکه به معنای واقعی کلمه نت به نت و ساز به ساز اثر یک نفر دیگر را کپی کنید.

حتما بخوانید:  24 نکته که چگونه به یک آهنگساز خوب تبدیل شویم؟

مرحله 3- مطمئن شوید که مدت زمان آهنگ مناسب است، تمام بخشها مدت صحیحی دارند و مکمل همدیگر هستند

این مرحله را می توان قسمتی از مرحله اول دانست؛ یعنی همانجایی که باید مطمئن شوید آهنگتان بدون تنظیم کامل و بی نقص است. ممکن است تهیه کننده یا تنظیم کننده بخواهد فرم آهنگ را برای ضبط تغییر بدهد و گاهی اوقات پیش می آید که نحوه اجرای زنده آهنگ توسط اجرا کننده با نسخه استودیویی متفاوت باشد. نسخه های ضبط شده باید تا حد امکان مختصر و مفید باشند. بنابراین در این مرحله باید مطمئن شوید که آهنگتان خیلی طولانی نباشد.

مرحله 4- آواز خواننده باید کاملا مناسب آهنگ باشد

یکی از ضروری ترین چیزها در بخش تنظیم و تولید آهنگ، مناسب بودن آواز خواننده برای آهنگ است. ضبط صداهای اصلی به شما کمک می کند تا موقع تنظیم تصمیمات بهتری بگیرید. اگر بدون شنیدن صدای آواز خواننده شروع به تنظیم آهنگ کنید نه تنها کار خودتان خوب از آب در نمی آید؛ بلکه کار مهندسین میکس را هم سخت می کنید. بهترین آهنگها تنظیمی دارند که از لحاظ تراکم کاملا متعادل است.

یادتان باشد که همه عناصر مختلف یک تنظیم یا تولید خوب باید فضا و محدوده صوتی خاص خودشان را داشته باشند.

مرحله 5- سازهای کوبه و سایر اجزای ریتمیک

علاوه بر آواز اصلی، سازهای کوبه ای و اجزای ریتمیک آهنگ هم جزو مهمترین بخشهای تنظیم به حساب می آیند؛ چون بیشترین فضای صوتی آهنگ را اشغال می کنند، به شنونده خط می دهند و انتقال بخش عمده ای از احساس آهنگ را به عهده دارند.

اول از همه مشخص کنید که سازهای کوبه ای باید آکوستیک (واقعی) باشند یا نمونه برداری شده؟ البته این مرحله درباره پیانو، آواز، تار، گیتار و غیره قابل اجرا نیست. وقتی این مساله را مشخص کردید بهتر است به یکی از آهنگهای مرجعتان گوش کنید تا اصول کار دستتان بیاید.

مهم ترین اصول آهنگسازی که برای شروع حرفه ای باید بلد باشید

مشخص کنید که سازهای کوبه ای کجا وارد و کجا خارج شوند و اینکه این سازها به طور کلی چه الگوهایی را دنبال خواهند کرد. اگر از سازهای کوبه ای واقعی برای آهنگتان استفاده می کنید تنظیمتان فقط باید جهت کلی نواختن این سازها را مشخص کند.

در برنامه نویسی وسواس به خرج ندهید. یک درامر خوب می تواند تصمیمات مهم را بگیرد و کارتان را راحت کند. اگر می خواهید از درام های آکوستیک استفاده کنید، به یک درامر واقعا عالی نیاز دارید. و یادتان باشد که صدای درامها یا همان سازهای کوبه ای باید به طور مناسبی ضبط شوند.

اگر صدای سازها را خوب ضبط نکنید، آهنگتان هم خوب از آب در نمی آید. فقط کافیست تعداد میکروفونها و نوع پردازش را درست انتخاب کنید. نمی شود فقط از یک میکروفون مونو برای ضبط صدای سازهای کوبه ای استفاده کنید و بعد هم انتظار داشته باشید که میکس نهایی شبیه یک آهنگ پاپ کانتری فوق العاده شود!

مرحله 6- باس و عناصر باس

وقتی کارتان با تنظیم سازهای کوبه ای تمام شد نوبت باس (Bass) و عناصر آن می رسد. باید محل ورود و جای باس در تنظیم آهنگ را مشخص کنید و تعین کنید که باس روی ابیات و گروه کر در چه محدوده ای بنوازد. اگر آهنگتان پاپ استاندارد است باس باید مطمئن شوید که صدای باس در گروه کر پخش می شود. درست مثل سازهای کوبه ای، بهتر است نواختن باس را هم به عهده نوازنده باس بگذارید. اگر باس فاقد وضوح یا فرکانس پایین باشد، تنظیم شما بی فایده خواهد بود. تجربه باعث می شود این کار دستتان بیاید و باس و عناصر باس را درست و بجا تنظیم کنید.

موقع یادگیری نحوه تنظیم آهنگ باید درباره عناصر هارمونیک موسیقی یعنی گیتار، کیبورد، سینث سایزر، سازهای زهی و غیره هم اطلاع داشته باشید. در این مرحله بهتر است به آهنگهای مرجعتان برگردید و ببینید باید از چه سازهایی استفاده کنید. بررسی کنید که آیا قرار است جزء اصلی هارمونیک آهنگتان کیبورد باشد گیتار؟ در خیلی از آهنگها گیتار یا پیانو به عنوان ساز اصلی و مکمل صدای خواننده اصلی استفاده می شوند.

معمولا از این برنامه ها استفاده می شود: 7 بهترین برنامه میکس آهنگ+ دانلود رایگان

این ساز اصلی اغلب اوقات در کل آهنگ نواخته می شود. وقتی ساز اصلی را پیدا کردید چیدمان بقیه عناصر به انتخاب خودتان است.

نکته مهم این است که اگر تصمیم دارید در تنظیمتان از سازهای برنجی یا سازهایی مثل گیتار و ویولن استفاده کنید حتما باید مطمئن شوید که قطعات نواخته شده با این سازها کاملا با آهنگ مطابقت دارند.

مرحله 8- ملاحظات مربوط به موسیقی پاپ و EDM معاصر

نکته مهم اینجا این است که برای تسلط روی پاپ معاصر و EDM (موسیقی رقص الکترونیک) باید به آهنگهای زیادی از این سبکها گوش کنید تا یاد بگیرید چطور همه قسمتها را با هم هماهنگ کنید. بهترین سینث سایزرها و EDM ها به گوش ما متراکم به نظر می رسند و گاهی هم واقعا همینطور است؛ اما بیشتر اوقات سینتی سایزرها به خوبی عمل می کنند. با اینکه ممکن است تعداد پچ ها و صداها زیاد باشد، اما همیشه برای پخششان ترتیب وجود دارد، یعنی شما آنها را یکی پس از دیگری می‌شنوید، نه همزمان. در واقع هر قسمت در محدوده صوتی خودش کار خودش را انجام می دهد.

مرحله 9- تمیزکاریهای تولید

آخرین مرحله یادگیری نحوه تنظیم آهنگ پرداختن به جزییات و تمیزکاریهای تولید است. این مرحله برای تنظیم موسیقی آکوستیک می تواند شامل اضافه کردن پرکاشن در قسمت‌ های مختلف تنظیم باشد. در سبکهای امروزی تر هم صداهای «نویز سفید» و صدای FX مثل شدتها، افت و خیزها و موارد دیگر در این مرحله اضافه می شوند.

حتما بلد باشید: افکت دادن به صدا با 7 روش عالی (7 افکت صدای زیبا)

مرحله 10- وکالهای پس زمینه

با فرض اینکه وکال اصلی در تمام مراحل تنظیم یا تولید آهنگ ثابت بوده است، در این مرحله خلق چند بک وکال یا همان وکال پس زمینه (که اغلب با نام BGV شناخته می شود) باعث جان بخشیدن به آهنگ شما و جذاب و دلچسب تر شدن آن می شود.

تجربه نشان داده که در این مرحله برای کسب نتیجه خوب، بهتر است درباره بک وکالها با خواننده مشورت شود یا خود خواننده مستقیما در استودیو حضور داشته باشد و ایده بدهد. بعضی از ایده های خوب برای اضافه کردن بک وکال شامل موارد زیر می شوند:

• دو بار تکرار یک خط یا ورس (verse) برای برجسته کردن یک عبارت خاص
• خواندن کورس (chorus) در یک سوم بالا یا پایین برای هارمونیک کردن آهنگ
• اضافه کردن یک بخش دیگر به خواندن خواننده برای رسیدن به هارمونی سه قسمتی

البته باید در نظر داشته باشید که هارمونی سه قسمتی سخت و مشکل ساز است.

پیش به سوی ضبط و تولید

وقتی کار تنظیم آهنگ به پایان رسید می توانید وارد مرحله ضبط یا میکس شوید. در این مرحله اغلب اوقات تنظیم یا تولید کمی دستخوش تغییر می شود و این هم کاملا طبیعی است. به عنوان مثال ممکن است لازم باشد عناصر خاصی را از چیدمان آهنگتان کم یا به آن اضافه کنید. برای اینکه بهترین نتیجه را بگیرید آهنگ خودتان را با موسیقی مرجع مقایسه کنید و تغییرات لازم را روی آن اعمال نمایید.

در نهایت اینکه همانطور که در ابتدای مطلب هم اشاره کردیم، آهنگی که خوب باشد همانطور خوب باقی می ماند و مهم نیست که در فرایند تنظیم چه کارهایی رویش انجام می دهید. به هر حال تا زمانی که تنظیم کننده یا تهیه کننده موسیقی آن را نابود نکند، آهنگ همچنان عالی باقی می ماند.

حتما دانلود کنید: آموزش میکس و مسترینگ حرفه‌ ای: 11 روش و 12 ویدئو

در مقابل، شما هیچ وقت نمی توانید آهنگی که از ابتدا بد بوده را به آهنگ خوبی تبدیل کنید. هر چقدر هم که روی یک آهنگ بد تنظیم، تولید و یا میکس با کیفیتی اعمال شود باز هم آن اهنگ بد خواهد بود. کیفیت از ابتدا شروع می شود و چیزی است که باید تا پایان حفظ شود.

نوشته آموزش تنظیم موسیقی در 10 مرحله (و 5 درس ویدیویی) اولین بار در سازی ها. پدیدار شد.

چرا باید از جلوه ‌های صوتی استفاده کنید؟

هر بار که آوازی را میکس می‌ کنید، باید از اکوآلایزر، فشرده ‌‌سازی و ریورب یا تاخیر (حتی اگر اندک باشد) استفاده کنید. این ها افکت های اصلی هستند که شما نیاز دارید.

اما روش ‌های دیگری هم برای استفاده از این افکت ‌ها وجود دارد که می ‌تواند آواز شما را برجسته ‌تر، خشن ‌تر و یا کمی جالب ‌تر کند. استفاده از افکت های صوتی می ‌تواند صدایی منحصر به فرد به وکال شما بدهد و در کل آهنگ تان را حرفه‌ای ‌تر کند.

معمولا از این برنامه ها استفاده می شود: 7 بهترین برنامه میکس آهنگ+ دانلود رایگان

اگر به رادیو گوش کنید، خواهید شنید که صدای آواز در کل یک آهنگ دقیقا یکسان نیست. توجه به این نکته می ‌تواند به اندازه اضافه کردن یک افکت به وکال در کورس مهم باشد. نکته این جا است که باید از این افکت ‌های صوتی استفاده کنید. این ها واقعا می‌ توانند کیفیت آهنگ ‌های آوازی شما را بهتر کنند.

7 تا از جلوه‌ های صوتی جالب

در این بخش برخی از افکت های صوتی جالبی که می ‌توانید در میکس تان استفاده کنید را پوشش خواهیم داد.

این‌ افکت ‌ها مثل اکوآلایز و فشرده ‌سازی برای بهتر کردن وکال تان نیستند. بلکه چیزی فراتر از آن ها می باشند.

1-Wet Reverb را به وکال تان اضافه کنید

ریورب باید در هر یک از تِرَک های وکال شما حتی در حد کم هم باشد. شما می ‌توانید برای تأکید بر یک سری خطوط یا کلمات خاص ، ریورب خیس یا Wet Reverb هم اضافه کنید.

همچنین می ‌توانید ریورب سنگین را به یک وکال پس ‌زمینه اضافه کنید و سپس Gain را پایین بیاورید. این کار باعث ایجاد فضا در میکس وکال می ‌شود بدون این که لید وکال را خراب کند.

مهم ترین اصول آهنگسازی که برای شروع حرفه ای باید بلد باشید

افزونه ریورب احتمالا یک پیش ‌تنظیم یا Preset دارد که دارای ریورب شدید است. بنابراین سعی کنید اول آن را اعمال کنید. اما اگر ریورب بیشتر یا کم تری می‌ خواهید، فقط تنظیمات مربوط به ریورب خیس را انجام بدهید.

2-پیش‌ تاخیر و پسا تاخیر

Pre-Delay یک سری تنظیمات در افزونه Reverb شما است. اکثر پلاگین ‌های ریورب چنین قابلیتی دارند.

پیش ‌تاخیر زمان بین سیگنال صوتی و زمانی که ریورب برای اولین بار شروع می ‌شود را به تاخیر می ‌اندازد. این باعث می ‌شود تا صدای وکال بیشتر شود بدون این که وکال خراب شود.

برای پیش ‌تأخیر، با ۲۰ تا ۴۰ میلی ‌ثانیه (میلی‌ثانیه) شروع کنید و به دل خواه مقدارش را تغییر دهید. همچنین می ‌توانید از post delay یا پسا تاخیر استفاده کنید، یعنی تاخیر را بعد از ریورب اضافه کنید.

آموزش گام به گام و تصویری آهنگسازی الکترونیک به‌ صورت اصولی

ریورب از شدت فید شدن تدریجی تاخیری که به دنبال آن به وجود می ‌آید؛ می ‌کاهد و به آرامی آن را خنثی می ‌کند. فقط از یک تاخیر کوتاه استفاده کنید.

3-عمق تاخیر

درست مثل ریورب ایده خوبی است که حداقل کمی تاخیر در وکال تان اعمال کنید. اما اگر می ‌خواهید عمق بیشتری را بدون ایجاد تکرار های تاخیری پیوسته اضافه کنید، باید این ترفند را پیاده ‌سازی نمایید: تاخیر را اعمال کنید و ms را به 100 تغییر بدهید. سپس تعداد تکرار ها را به 1 تغییر بدهید.

شما می ‌توانید این را مستقیما روی ترک وکال اعمال کنید یا آن را به باس بفرستید. انتخاب با خودتان است. در هر صورت، باید وکال تان بدون بهم ریختگی ، عمق بیشتری داشته باشد.

4-وکال تان را به اندازه یک گروه کر تکثیر کنید

به این دلیل که فقط یکی از شما وجود دارد، معنایش این نیست که فقط یک یکی از شما باید در آهنگ باشد! شما می ‌توانید با تکثیر وکال تان، آن را به گروه کر کوچک تبدیل کنید. این ترفندی است که کوئین در “راپسودی بوهمی “، جیکوب کولیر تقریبا در تمام آهنگ ‌هایش و بسیاری از هنرمندان دیگر از آن استفاده کرده‌ اند. نحوه انجام این کار به این صورت است:

اول باید مطمئن شوید که وکال لید دقیقا همان گونه است که می ‌خواهید. آن را ویرایش کنید، مقایسه‌ اش کنید، حروف و صدا های ناخوشایند را حذف و اصطلاحا De-ess کنید، و هر کار دیگری که برای تکمیل آهنگ لازم است را انجام بدهید.

ریمیکس چیست؟ 6 نوع رایج آن که باید بشناسید

من پیشنهاد می‌ کنم یک یا دو لایه از ملودی را در ترک های جدید ضبط کنید.

حتی می ‌توانید قطعات لایه ‌بندی شده را متفاوت بخوانید. یکی را با فریاد بخوانید، دیگری را زمزمه کنید و در حالی که سومی را می ‌خوانید، بینی تان را با انگشتان تان بگیرید.

همچنین ملودی را در اکتاو های مختلف بخوانید. تکنیک فالستو را با یک اکتاو و صدای بی ‌رمقی که صبح بعد از بیدار شدن با آن صحبت می ‌کنید را در یک اکتاو پایین پیاده ‌سازی کنید.

بعد، تا جایی که می ‌توانید بین آن ها هارمونی ایجاد کنید. خواندن بر اساس هارمونی که از نت ‌های سوم و پنجم آکورد شروع می ‌شود، برای شروع عالی است. سپس در صورت امکان آن هارمونی ‌ها را در اکتاو های مختلف بخوانید. اگر نمی ‌توانید به همه اکتاو ها مسلط شوید، خیلی راحت می ‌توانید زیر و بمی آن ترک را با افزونه pitching بالا یا پایین بیاورید.

چند نکته در مورد کار هایی که باید بعد از ضبط تمام این قسمت ‌ها انجام دهید وجود دارد و آن هم این است که:

• در استفاده از تکنیک پنینگ (Panning) دست و دلباز باشد. حتی اگر لازم است برای لید وکال ها جا بگذارید.
• پیچ Gain مهم‌ترین ابزار شما است. هنگامی که شما چند ترک وکال دارید، تنظیم گین بسیار مهم است. برای انجام درست این کار وقت بگذارید.
• از باس استفاده کنید . با توجه به ترک های BGV بسیاری که وجود دارد باید همه آن ها را به یک باس EQ، یک باس کمپرسور، یک باس Reverb و یک باس تاخیری انتقال دهید.

5-Autotune را برای افکت Vocoder Bus باس کنید

حالا که صحبت از باس یا مرتبط کردن شد، باید بگویم که اگرBGV های تان را به autotune متصل کنید، می ‌توانید افکتی شبیه به Vocoder ایجاد نمایید. این شیوه چه شما خودتان چند وکال به سبک یک گروه کر ضبط کرده باشید و چه فقط چند ترک وکال داشته باشید، جواب می ‌دهد. نحوه انجام آن به این صورت است:

1-یک ترک جدید ایجاد و آن را Autotune bus نام گذاری کنید.

2- ترک های وکال تان را به این کانال باس هدایت کنید.

3- آتوتیون قوی را روی کانال باس اعمال کنید (یعنی هر قطعه را سریع شروع استفاده کنید)

4- ممکن است مجبور شوید گِین این کانال باس را کمی پایین بیاورید تا میکس سخت نباشد .

پس وقتی این کار را می ‌کنید چه اتفاقی می ‌افتد؟

حتما بخوانید: تفاوت gain با volume در چیست؟

کانال باس سیگنال‌ هایی که برایش ارسال کرده ‌اید را گردآوری می ‌کند، تنظیم خودکار را اعمال می ‌کند، آن سیگنال‌ ها را در یک سیگنال جدید کپی کرده و سپس آن را دوباره در آهنگ میکس می‌ کند.

به این ترتیب شما وکال ترک های اصلی (بدون اتوتیون خودکار) را در میکس دارید. اما یک کپی از ضبط های وکال باس شده (با اتوتیون خودکار ) به صورت لایه ‌بندی شده هم دارید.

این فرایند جلوه ‌ای شبیه به Vocoder ایجاد می ‌کند.

6-آوازتان را گسترش دهید

اگر می ‌خواهید صدای تان را اغراق ‌آمیز تر و جامع ‌تر کنید، به کارگیری این متد لازم است. اما باز هم پای باس در میان خواهد بود. نحوه انجام این کار به این صورت است:

1-یک آهنگ جدید بسازید و نامش را “Vocal Widener” بگذارید.

2- وکال هایتان را در آدرس این آهنگ قرار بدهید.

3- یک توسعه ‌دهنده وکال اضافه کنید ( مثل افزونه رایگانOzone Imager ).

تنظیمات این widener را تا زمانی که حس ‌کنید (و بشنوید) صدای آواز عریض ‌تر می ‌شود، تنظیم کنید.

اگر می ‌خواهید وکال های برجسته‌ تری داشته باشید، این تکنیک می ‌تواند کمک تان کند.

آهنگسازی چیست؟ مهارتهای لازم، نقش آهنگساز و 7 نکته کاربردی

7-صدای مگافون بسازید

اگر وکالی می‌ خواهید که به نظر برسد شما از طریق یک مگافون آواز می ‌خوانید اما خودتان صاحب آن نیستید ، حتما از این روش استفاده کنید. برای درک بهتر Green Day، Rage Against The Machine و The Flaming Lips را گوش کنید. نحوه تهیه یک شبه مگافون به این صورت است:

1-از یک فیلتر بالا گذر استفاده کنید و هر چیزی که زیر 300 تا 400 هرتز است را کات کنید.

2- از یک فیلتر پایین گذر استفاده کنید و هر چیزی که فرکانس بالای 2 تا 3 کیلو هرتز دارد را کات کنید.

3- سپس به فرکانس ‌های مبهم در وسط گوش بدهید و آن ها را تقویت کنید.

برای افزودن کمی خشونت بیشتر به وکال ها ، کمی سچوریشن بعد از اکوآلایز اعمال کنید .

این ترفند ها فقط برای شروع کافی هستند و برای ایجاد وکال های حرفه ‌ای باید از خلاقیت تان استفاده کنید.

حتما بخوانید:  24 نکته که چگونه به یک آهنگساز خوب تبدیل شویم؟

درباره موسیقی تراپی صدا شنیده اید؟

موسیقی تراپی صدا یک روش درمانی است که از طریق استفاده از صدا و موسیقی برای تحقق آرامش و تسکین روحی و جسمی استفاده می‌کند. در این روش، موسیقی به صورت فعال و یا پس زمینه برای کمک به افزایش وضعیت روانی، بهبود هماهنگی جسم و ذهن و مدیریت درد و استرس استفاده می‌شود. موسیقی تراپی صدا می‌تواند به عنوان یک تکنیک مکمل در دوره‌های رواندرمانی، ارتقای سلامت روانی و فیزیکی، بهبود خواب و تحقق تعادل در سیستم عصبی مرکزی به کار گرفته شود.

نوشته افکت دادن به صدا با 7 روش عالی (7 افکت صدای زیبا) اولین بار در سازی ها. پدیدار شد.

مسترینگ چیست؟

مسترینگ صدا آخرین مرحله از فرآیند میکس است. این اتفاقی است که برای یک آهنگ قبل از این که منتشر شود، می ‌افتد.

مسترینگ یک آهنگ با استفاده از ابزار هایی مثل اکوآلایزر، فشرده‌ سازی، سچوریشن و محدود کردن برای انجام این سه چیز است:

1-بلندتر کردن صدای یک آهنگ

2- این که آهنگ صدای بهتری داشته باشد.

3- این که آهنگ برای تمام انواع مختلف بلندگو ها قابل ترجمه شود.

هدف مسترینگ این است که آهنگی شبیه به آهنگ ‌های حرفه‌ ای دیگر موجود در بازار ایجاد کند طوری که وقتی از رادیو یا در فهرست پخش یا در تیتراژ فیلم شنیده می ‌شود، غیر عادی به نظر نرسد.

همچنین بهتر است هنگام انتشار یک آلبوم یا یک آلبوم چندگانه (EP) آهنگ‌های تان را مستر کنید تا مطمئن شوید که همه آهنگ‌ ها یک ولوم و تُن یکسانی دارند.

اما مسترینگ در اصل بازنگری تخصصی میکس است .

شما وقتی میکس یک آهنگ را تمام می ‌کنید، گوش تان به آن عادت خواهد کرد زیرا شما هر ثانیه از آن را بار ها و بار ها شنیده اید. بنابراین درک این که چه جا هایی مشکل‌ دارند ده برابر دشوارتر خواهد شد!

مسترینگ یک مرحله بسیار حساس با مشکلات خاص خودش است، به همین منظور مهندسان صدا شروع به گرفتن تخصص در این تکنیک ‌ها کرده ‌اند. مهندسان مسترینگ می ‌توانند از زوایای دیگری یک میکس را بررسی کنند.

اما دلیل واقعی وجود این مهندسان استاد کار این است که با چند گوش جدید میکس شما شنیده و بررسی شود.

این کار مثل رفتن پیش یک پزشک متخصص بعد از مراجعه به یک پزشک عمومی است!

مهندسان حرفه ‌ای مسترینگ یک اتاق مجزا با مجموعه ‌ای جدید از اسپیکر ها دارند.

از آن جایی که مهندسان مستر قبلا موسیقی شما را نشنیده ‌اند، می ‌توانند اشتباهاتی که در طول ساعت ‌ها و روز ها میکس انجام داده ‌اید را متوجه شوند. آن ها می ‌توانند صدای آهنگ شما را حتی بهتر از قبل کنند.

یادگیری مسترینگ یک آهنگ مهم است، زیرا شیوه میکس تان را تغییر می‌ دهد. با یادگیری این مهارت شما در حین میکس آن را در ذهن تان مستر خواهید کرد.

اما کمک گرفتن از یک متخصص به شما چیزی را می ‌دهد که ساعت ها تمرین نمی ‌تواند و آن هم تشخیص خوب از بد است! به همین دلیل است که توصیه می‌ کنم یکی را استخدام کنید تا روی میکس‌های تان کار کند.

اگر بودجه یا زمان لازم را ندارید، توصیه می‌ کنم از یک سرویس مسترینگ خودکار مثل LANDR یا Aria استفاده کنید.

این ها فقط الگوریتم‌ هایی هستند که می‌ توانند آهنگ شما را تجزیه و تحلیل کنند و آن را طوری بهینه‌ سازی کنند که شبیه آهنگ منتشر شده استاندارد باشد ، بنابراین کامل نیستند.

این سرویس ها هیچ وقت به خوبی گوش های آموزش دیده انسان نخواهند بود اما آن ها به طرز شگفت ‌انگیزی برای مستر و دمو های سریع خوب هستند و ارزان‌اند.

اگر به دلایلی نمی ‌خواهید یک مسترکار حرفه ‌ای استخدام کنید، می ‌توانید با این سرویس ها مسترینگ را انجام بدهید و بعد خودتان دوباره مستر کنید.

و بعد از شنیدن هر کدام را بیشتر دوست داشتید ، نگه دارید.

اگر از این استراتژی استفاده می ‌کنید، حتما به هر آنچه برای کل پروژه انتخاب می ‌کنید، پایبند باشید. مثلا اگر یک آلبوم چندگانه منتشر می‌ کنید، نباید دو آهنگ توسط مثلا Aria و دو آهنگ توسط خودتان مسترینگ شود. باید ثبات داشته باشید.

چه طور آهنگ را مستر کنیم؟

حالا که می ‌دانید مسترینگ صوتی چیست (و چه زمانی باید به یک حرفه ‌ای اجازه داد تا روی آن نظارت کند، بیایید یاد بگیریم که چه طور این کار را انجام بدهیم! )

در واقع مهم ‌ترین چیزی که باید به آن دقت کرد این است که راز یک مسترینگ موفق آمادگی است.

من از رویکرد Sharpen the Axe یا تقویت آکس برای مسترینگ استفاده می ‌کنم…

به قول آبراهام لینکولن اگر شش ساعت به من فرصت بدهید تا یک درخت را قطع کنم، من چهار ساعت اول را صرف تیز کردن تبر خواهم کرد. همین در مورد آکس مسترینگ هم صدق می ‌کند!

8 مرحله اول از این 14 مرحله مربوط به آماده ‌سازی هستند! بدون آن ها، شما در مسترینگ دچار مشکل خواهید شد.

بدون هیچ مقدمه ‌ای، به سراغ مراحل مسترینگ میکس خواهیم رفت!

مرحله 1: در انتخاب فضایی که در آن به میکس گوش ‌می‌ کنید، دقت کنید

مسترینگ یک هنر ظریف است. حرکات بسیار کوچک می ‌تواند صدایی که از کل میکس تان به گوش می ‌رسد را تحت تاثیر قرار دهد.

به همین دلیل، بهتر است مطمئن شوید فضایی که در آن به میکس گوش می ‌دهید تا حد امکان مناسب و بی‌ عیب است.

بیایید این طور فرض کنیم که آهنگ تان را به بهترین شکل مستر کرده ‌اید اما اتاق شما آن طور که باید تنظیم شده است و در حقیقت شاید آهنگ تان در آن فضا خوب به نظر برسد، اما ممکن است در هر جای دیگری بد به نطر برسد!

به طور مثال اگر اتاق شما باس اضافی ایجاد می ‌کند، صدای باستان بلندتر از آنچه که هست به نظر می ‌رسد. بنابراین، حتی اگر در اتاق تان بالانس کاملی برقرار باشد، آیا در هر جای دیگری این تضمین هست که این طور باشد؟ مسلما نه!

حتما بخوانید:  24 نکته که چگونه به یک آهنگساز خوب تبدیل شویم؟

چند کار هست که می‌ توانید برای رفع این مشکل انجام بدهید. اول از همه، می ‌توانید اتاق میکس تان را با پنل های آکوستیک به خوبی بپوشانید.

اگر نمی ‌خواهید زمان یا هزینه اضافی برای آکوستیک کردن اتاقتان صرف کنید، می ‌توانید با استفاده از هدفون اتاق را نادیده بگیرید.

من Sennheiser HD600 را توصیه می‌ کنم. همچنین ارزشش را دارد از یک نرم ‌افزار خنثی‌ سازی هدفون مثل Sonarworks Reference و Waves NX استفاده کنید. این ابزار به تعادل هدفون شما کمک می ‌کند و باعث می ‌شود به نظر برسد که در یک اتاق واقعی هستید و کم تر شبیه خلاء به نظر برسد.

مرحله 2: میکس تان را تکمیل کنید

اول میکس را تمام کنید.

مسترینگ آخرین مرحله از فرآیند میکس است. مطمئن شوید که هر دو را همزمان انجام نمی‌ دهید.

یکی از کار های مهمی که باید انجام بدهید این است که آهنگ تان را طوری میکس کنید که مستر شده به نظر برسد. البته این معنایش این نیست که آهنگ تان را در حین میکس مستر کنید بلکه یعنی میکس را طوری انجام بدهید که آماده مسترینگ باشد.

میکس باید در اکثر سیستم‌ ها متعادل ، دینامیک و هیجان ‌انگیز به نظر برسد.

7 بهترین برنامه میکس آهنگ+ دانلود رایگان

به جای این که انتظار داشته باشید مهندس مسترینگ صدای میکس شما را “استریوتر” کند، خودتان این کار را با پنینگ (panning) انجام بدهید.

به جای این که انتظار داشته باشید مهندس مسترینگ میکس تان را پرانرژی‌ تر کند، خودتان این کار را با سچوریشن انجام بدهید.

البته نباید در هیچ کاری زیاده‌ روی کنید. میکس تان باید تا حد امکان حرفه‌ ای به نظر برسد.

مرحله 3: سطوح را بررسی کنید

قبل از این که از میکس تان خروجی بگیرید، باید مطمئن شوید که لازم نیست هیچ چیزی بریده ‌شود. هنگام میکس، دیستوریشن دیجیتال اغلب می ‌تواند بی‌صدا باشد، اما در مرحله مسترینگ، تمام عیوب کوچک در میکس‌های تان آشکار می‌ شوند.

مطمئن شوید که روی همه فیدرهای تان فاصله ایمن دارید. هر کانال، باس یا ارسالی باید از محدوده خطر دور بماند.

امیدواریم این درست همان چیزی باشد که شما توانسته باشید قبل از پایان میکس آن را برطرف کنید. همیشه بهتر است میکس را با مرحله ‌بندی درست آهنگ‌های تان شروع کنید و مطمئن شوید که در حین کار هیچ چیزی کات نمی ‌شود.

از طرفی هم نباید خروجی استریو قطع ‌شود و فاصله ایمن کافی برای کار در حین مسترینگ وجود داشته باشد.

بلندترین قسمت آهنگ شما بین 4- تا 6- دسی بل در خروجی استریو باشد.

مرحله 4: آهنگ استریوی تان را بانس کنید

مرحله بعدی بسیار ساده است. فقط کافی است آهنگ استریوی تان را به عنوان فایل به بانس (Bounce) کنید.

حواس تان باشد که تنظیمات پروژه ‌تان هنگام خروجی گرفتن دقیقا یکی باشد. مثلا اگر آهنگ را در 24 بیت ضبط کرده‌ اید، فایل را با 24 بیت بانس کنید. یا اگر با رزولوشن 48 کیلو هرتز ضبط کرده ‌اید، فایل تان را با فرکانس 48 کیلوهرتز بانس.

چند نکته دیگر:

مطمئن شوید که فایل را با فرمتی که باعث هدر رفت اطلاعات نمی‌ شود، بانس می کنید. از آهنگ با فرمت MP3 خروجی نگیرید! این کار بعد از مسترینگ انجام می‌ شود. از آن به عنوان فایل wav یا aiff خروجی بگیرید.

همچنین، اگر DAW شما در هنگام بانس گزینه “normalize” دارد ، از آن استفاده نکنید. عادی ‌سازی اساسا یک کار ناشیانه برای بلندتر کردن صدای آهنگ شما است. ما این کار را در حین مسترینگ انجام خواهیم داد. نیازی نیست عجله کنیم.

مرحله 5 : حداقل یک روز استراحت کنید

حتما به گوش تان استراحت بدهید!

مسترینگ کار ظریف و حساسی است. بنابراین بهتر است قبل از شروع، گوش‌ های تان آماده و خام باشند!

مهم تر از آن این که ذهن تان هم باید سرحال باشد.

اگر ساعت‌ ها (یا روز ها) روی میکس کار کرده ‌اید، هیچ تضمینی وجود ندارد که بتوانید در حین مسترینگ بی‌ طرفانه و بدون اشتباه کار کنید.

حداقل یک روز استراحت کنید. چند روز هم شد ، بهتر‍!

هر چه وقفه بیشتری بین میکس کردن و مسترینگ تان بیفتد، می ‌توانید بهتر و دقیق تر کار کنید.

مرحله 6: یک پروژه جدید ایجاد و آهنگ های مرجع تان را ایمپورت کنید

یک پروژه جدید باز و میکس تان را در آن ایمپورت کنید. سپس ترک های رفرنس تان را زیر آن ایمپورت کنید.

در این اثنی بهتر است این را هم بگویم که آهنگ ‌های مرجع یکی از بزرگ ترین راز های یک میکس و یک مسترینگ موفق است.

در حین انجام کار به چیزی نیاز دارید که بتوانید با آن مقایسه کنید. در غیر این صورت ممکن است میکس هایی انجام بدهید که در خلاء عالی به نظر می‌ رسند، اما در مقایسه با میکس‌ های دیگر در دنیای واقعی خوب از آب در نیایند.

مهم ترین اصول آهنگسازی که برای شروع حرفه ای باید بلد باشید

در دسترس داشتن موسیقی که حرفه ‌ای میکس شده باشد لازم است تا هر چند وقت یک بار در حین کار به آن گوش بدهید و بتوانید بهترین تصمیم را برای آهنگ تان بگیرید.

مرحله 7: برای اولین بار به میکس گوش و یادداشت ‌برداری کنید

اول از همه: شما باید به آهنگ میکس گوش کنید. این مرحله واقعا مهم است.

اگر به خودتان استراحت کافی داده باشید؛ یعنی چند روزی است که میکس تان را نشنیده ‌اید و حالا با گوش‌ های آماده ‌تری به بررسی ‌اش خواهید پرداخت.

معمولا 80 درصد از مشکلات را با اولین گوش دادن خواهید شنید.

حتما یک دفترچه یادداشت کنار دست تان داشته باشید یا یک سند ورد در کامپیوتر تان باز کنید. در حین گوش دادن یادداشت بردارید. این یادداشت ها در حین مسترینگ به مبنایی برای کارتان تبدیل می ‌شوند.

آموزش گام به گام و تصویری آهنگسازی الکترونیک به‌ صورت اصولی

آیا صدا های تربل خیلی زیر و نامشخص به گوش می ‌رسند؟

آیا وکال برجسته ‌تر از آهنگ شنیده می‌ شود یا خفه و گرفته است؟

آیا آهنگ درهم و برهم و بی ‌حال به گوش می ‌رسد؟

همه این نکات را بنویسید. شما فقط با شنیدن در اولین بار متوجه شان خواهید شد.

مرحله 8: یک آنالیز کامل انجام بدهید

حالا وقت آن است که تمام عوامل مخرب را کنار بگذاریم.

چند بار آهنگ را گوش کنید. آنچه می ‌شنوید را بنویسید.

به رفرنسهای تان گوش دهید، سپس به آهنگ تان گوش بدهید. آنچه که نمی‌ شنوید یا آنچه که بیش از حد می ‌شنوید را یادداشت کنید.

به بلندگو های دیگر گوش بدهید. با هدفون گوش کنید و آنچه می ‌شنوید را بنویسید.

در گوشی تان به میکس گوش بدهید. در ماشین تان گوش کنید و باز هم آنچه می ‌شنوید را یادداشت کنید.

ریمیکس چیست؟ 6 نوع رایج آن که باید بشناسید

هدف از این کار این است که تصویر دقیقی از آنچه آهنگ شما در حال حاضر به نظر می ‌رسد و آنچه باید باشد، داشته باشید.

به این ترتیب می‌ توانید به ‌جای استفاده تصادفی از ابزارهای تان، تصمیم‌ های مهمی در مسترینگ بگیرید.

بد نیست کمی هم در مورد آهنگ های مرجع صحبت کنیم.

چند کار وجود دارد که به غیر از استفاده از گوش‌های تان می‌ توانید انجام بدهید تا از آن ها به بهترین شکل بهره ‌برداری کنید.

اگر یک آنالایزر گرافیکی داشته باشید، می ‌توانید از آن برای مقایسه طیف فرکانسی دو میکس استفاده کنید.

این آنالیز به شما کمک می ‌کند تا از چشم ها و همین طور گوش‌های تان استفاده کنید. کدام بخش از آهنگ تان خیلی بم یا خیلی زیر شنیده می‌ شود؟

یادتان باشد این تحلیل کامل نیست و طیف فرکانس هر آهنگ متفاوت است.

این فقط ترفندی است که به شما کمک می ‌کند تا نواحی مشکل ‌دار که ممکن است کم تر مشخص باشند را پیدا کنید.

کار دیگری که می ‌توانید انجام بدهید؛ این است که از یک فیلتر برای گوش دادن به بخش های باس مرجع استفاده کنید.

حتما بخوانید: تفاوت gain با volume در چیست؟

فقط این را یادتان باشد که شرایط در مسترینگ صدا بسیار مهم است! مهم ‌تر این است که هر میکسی در مقایسه با آهنگ‌ های دیگر خوب به نظر برسد تا این که فقط در خلاء خوب به نظر برسد.

یک نکته مهم که باید توجه داشته باشید اینست که حتما ولوم آهنگ های مرجع تان را با ولوم میکس تان مطابقت بدهید. در غیر این صورت، گوش شما تفاوت ‌هایی را می ‌شنود که وجود ندارند.

بلندی صدا بر نحوه شنیدن صدا تأثیر می ‌گذارد. همان طور که ما صدای موسیقی را بالا می ‌بریم، مغزمان آن صدا را به خاطر باس و تربل بالایش می ‌شناسد.

بنابراین اگر آهنگ‌ های مرجع شما خیلی بلند یا خیلی ملایم باشد، مسترینگ تان متعادل نخواهند بود!

مرحله 9 : دینامیک‌ ها را کنترل کنید

حالا به اندازه کافی آماده شده ‌اید. باید دست به کار شوید.

اولین کاری که باید انجام بدهید انجام کمی فشرده‌ سازی است. بهتر است مطمئن شویم که دینامیک کل ترک در حال کنترل است.

هدف شما از فشرده ‌سازی این است که قطعات آهنگ به هم چسبیده به نظر برسند.

در این جا نحوه انجام تنظیمات مربوط به فشرده ‌سازی میکس باکس آمده است:

البته تا این حد هم فشرده‌ سازی لازم نیست. 1 تا 2 دسی‌بل کاهش کافی است. شما نباید فراتر از 3 دسی‌بل بروید.

این قاعده در کل ترک اعمال می ‌شود، بنابراین کم تر باشد بهتر است.

آهنگسازی چیست؟ مهارتهای لازم، نقش آهنگساز و 7 نکته کاربردی

با احتیاط Attack Time را انجام بدهید. سرعت بالا می ‌تواند کل آهنگ را کسل‌ کننده کند. اَتک را حدود 10 میلی‌ ثانیه شروع کنید و از آن جا تغییرش بدهید. اگر آهنگ سریع‌ تری است، کمی آن را بالا ببرید. اگر کندتر است، آن را به پایین ببرید.

در مورد زمان انتشار هم از عملکرد انتشار خودکار (البته در صورت وجود) استفاده کنید زیرا به احتمال زیاد طبیعی ‌ترین صدا را تولید می ‌کند. اگر این توانایی را ندارید، زمان انتشارتان را در حدود 150 میلی ‌ثانیه شروع و از همان‌ جا تغییرات را لحاظ کنید.

ظرافت در این جا بسیار مهم است. اقدامات کوچک در این جا تفاوت بیشتری نسبت به یک میکس ایجاد می‌ کنند.

از گوش‌های تان استفاده کنید! اگر همه چیز خیلی‌کسل ‌کننده یا تهاجمی به نظر می‌ رسد، یعنی زیاده ‌روی کرده‌ اید.

مرحله 10: تن را اصلاح کنید

قدم بعدی این است که لحن آهنگ تان را با توجه به رفرنس ها متعادل کنید.

ابزار اصلی شما اکوآلایزر خواهد بود. حواس تان به این کهDAW تان یک اکوآلایزر خطی دارد یا نه باشد. در واقع این ها اکوآلایزر هایی هستند که در درجه اول برای تأثیر گذاری بر چندین ابزار به طور هم زمان ساخته شده ‌اند. آن ها فوق ‌العاده “کامل” بوده و برای مسترینگ in the box عالی هستند.

به یادداشت‌های تان برگردید. چه نوشته‌ اید که باید درست شود؟ آیا باس بیشتری لازم است؟ آیا به هم ریختگی ها در میکس باید کم شود؟

از اکوآلایزر خطی تان برای شکل دادن به تن آهنگ به منظور حل آن مشکلات استفاده کنید.

در مسترینگ بهتر است از کات ها و بوست های (Boost) گسترده استفاده کنید. در کل میکس کات ها باریک تر و نزدیک به هم خواهند بود اما زمانی که در کل آهنگ اعمال شود، از هم فاصله می ‌گیرند.

حتما بخوانید: 70 اصطلاح رایج موسیقی که باید بدانید

سعی کنید بوست یا کاتهای تان بیش از 3 دسی بل نشود. حرکت شما در حین مسترینگ باید ظریف باشد. تغییرات بزرگ و ناگهانی، اساس میکس تان را تغییر خواهد داد.

گاهی اوقات اگر حس می‌ کنید انرژی زیر باس در آهنگ بیش از حد است، یک فیلتر High Pass جزئی می ‌تواند خوب باشد. در مورد استفاده از فیلتر Low Pass هم احتیاط کنید زیرا می ‌تواند صدای آهنگ را خفه و نا واضح کند.

راهکار دیگر ما برای این مرحله، فشرده‌ سازی چند باندی است.

فرض کنید بعد از اتمام اکوآلایز کردن، وِرس ها کاملا متعادل هستند. اما کورس هنوز هم ضربات باس زیادی دارد که بر وکال غلبه می ‌کند.

اگر بخواهید با استفاده از اکوآلایز بیشتر باس را از بین ببرید، مشکل در کورس حل می ‌شود، اما ورس هایتان آسیب می ‌بینند.

فشرده ‌سازی چند بانده را اعمال کنید. این کمپرشن اساسا این توانایی را دارد که فقط یک محدوده فرکانس خاص و نه کل آهنگ را فشرده کند. این ابزار برای وقتی مناسب است که می ‌خواهید نت هایی که در سرتاسر آهنگ ناهماهنگ هستند را اصلاح کنید.

حتما بخوانید: مهندسی صدا چیست؟ 5 نقش اصلی آن که باید بدانید

یک کمپرسور چندبانده مثل یک کمپرسور معمولی کار می‌ کند. شما هنوز همان آستانه، نسبت، حمله (Attack)، انتشار و Makeup Gain را دارید. هیچ چیزی فرق ندارد.

شما فقط باید محدوده فرکانس ‌هایی که می‌ خواهید روی آن عمل شود را تنظیم کنید.

به طور مثال اگر بخواهید باس ‌های ناسازگار را برطرف کنید، باید محدوده را بین 20 تا 150 هرتز تنظیم و 2 تا 3 دسی‌بل کاهش گِین داشته باشید. لازم نیست این مقادیر زیاد باشند زیرا می ‌خواهید آن را فقط در قسمت ‌های ناسازگار اعمال کنید نه کل آهنگ.

چند نکته در مورد فشرده ‌سازی چند‌ بانده:

• هنگامی که از کمپرسور چندبانده برای رفع مشکلات استفاده می ‌کنید، لازم نیست از هیچ میک‌آپ گینی استفاده کنید. فشرده ‌سازی به طور طبیعی صدا های بلند را کاهش می ‌دهد. اما زمانی که از میک ‌آپ برای قرار دادن آهنگ در همان سطح صدا مثل قبل استفاده می ‌کنید، در واقع برعکس عمل کرده اید و صدا های ملایم را بالا می‌ برید. اگر هدف تان این است که بخش ‌های خاصی از طیف فرکانس را بی ‌صداتر کنید، اضافه کردن میک‌آپ گین برعکس منظورتان را انجام می ‌دهد.
• به جز در مواقعی که میکس نیاز دارد، از بیش از یک باند استفاده نکنید. در غیر این صورت ممکن است به جای حل بیشتر مشکل ‌تراشی کنید.
• فشرده‌ سازی چند بانده یک ابزار قدرتمند است اما همیشه هنگام مسترینگ لازم نیست. بنابراین با دقت و فقط در صورت نیاز از آن استفاده کنید!

مرحله 11: میکس را تقویت کنید

حالا که آهنگ را به صورت پویا و آهنگین متعادل کرده ‌اید، می ‌توانید با چند کار ساده بهترش کنید.

البته این کار ها اختیاری هستند و اگر میکسی که کردید به آن ها نیازی نداشت، استفاده نکنید.

اولین کاری که در راستای تقویت آهنگ می ‌توانید انجام بدهید، سچوریشن است. این می ‌تواند یک پلاگین سچوریشن، یک شبیه ‌سازی نوار یا یک محرک باشد. همه این ها گونه ‌های مختلف یک مفهوم هستند.

از سچوریشن می‌ توان برای افزودن کمی رنگ و لعاب به میکس هم استفاده کرد. این کار میکس را کمی پرتر، پرشورتر و هیجان‌انگیز تر می ‌کند. اگر میکس تان هنوز کمی کم ‌مایه یا ضعیف باشد، عالی است.

البته آسیب سچوریشن می‌ تواند بیشتر از سودش باشد. سچوریشن بیش از حد میکس، باعث ایجاد دیستوریشن می ‌شود و برخی از ظرافت ها و پویایی آن را از بین می ‌برد. و به طور بالقوه می ‌تواند صدای میکس را صاف ‌تر کند.

بنابراین سچوریشنی اضافه نکنید مگر این که لازم باشد.

حتما بخوانید: پلی بک چیست؟ تفاوت آن با ضبط صدا و نکات

یکی دیگر از گزینه‌ های بهبود، وسیع کردن استریو است. این کار به آهنگ کمک می‌ کند تا گسترده ‌تر و متمایز تر از قبل به نظر برسد.

این ویژگی برای زمانی که میکس به صورت خوشه ‌ای یا نزدیک به هم به نظر می ‌رسد، عالی است. وسیع کردن استریو می ‌تواند به پخش صدا ها کمک یا می ‌تواند صدای میکس را خارق ‌العاده کند.

با این حال، می ‌تواند مشکلات فاز بندی را هم وارد میکس کند. این طور که هر بار که آهنگ به صورت مونو پخش می‌ شود، بدتر از قبل به نظر می ‌رسد.

بنابراین از آن استفاده نکنید مگر این که لازم باشد.

در نهایت، اتوماسیون صدا می ‌تواند به افزایش تاثیر بخش‌ های خاصی از آهنگ کمک کند. مثلا با آن می ‌توانید صدای آهنگ را تا جایی که کورس نهایی در 0 دسی بل قرار داشت، خودکار کنید، اما بقیه آهنگ در 1- دسی بل باشد.

افزایش و کاهش جزئی صدا در مسترینگ کاملا واضح است ، بنابراین بیش از 2 دسی‌بل اتوماسیون انجام ندهید. حتما اسلپ (Slop) را هم اصلاح کنید. شما می ‌خواهید این افزایش طبیعی به نظر برسد، نه ناگهانی.

مرحله 12 : میکس را محدود کنید

این یکی از مهم ترین مراحل در مسترینگ و محدود کردن فرآیند بلندتر کردن صدای میکس به اندازه‌ صدایی است که در رادیو می شنوید.

پیش از این هم اشاره کردیم که ولوم برای یک میکس چقدر مهم است. هر چه آهنگی آرام‌ تر باشد، به گوش ما بی‌ حال‌تر و کسل ‌کننده‌تر به نظر می ‌رسد. پس باید مطمئن شد که آهنگ با آهنگ‌ های دیگر ژانری که کار می ‌کنیم یکی است.

حالا، اگر بخواهید فقط صدای یک میکس را زیاد کنید، باید یک سری جاها را کات کنید. شما ولوم بیشتری خواهید داشت، اما ولومی که برداشت می ‌شود زیاد نیست. در واقع آهنگ در گوش بلندتر از آنچه که هست احساس می ‌شود. شما همچنین باعث ایجاد دیستوریشن خواهید شد که صدای آهنگ را بدتر می ‌کند!

محدود کردن میکس تان باعث افزایش حجم آهنگ می‌ شود و در عین حال ولوم بیشتری ایجاد می ‌کند. این بهترین راه برای تنظیم آهنگ مطابف با سطوح رسایی در این صنعت است.

تهیه کنندگی موسیقی چیست؟ تجهیزات لازم و چطور تهیه کننده موسیقی شویم؟

یک محدود کننده (Limiter) در اصل یک کمپرسور ساده است. اما به جای داشتن یک نسبت عادی (مثل 2:1 یا 3:1)، دارای نسبت ” دیوار آجری ” است.

این یعنی هیچ مقدار صدایی از آستانه تعیین شده بالاتر نمی ‌رود؛ یعنی 100% آن پذیرفته نمی‌ شود. بنابراین بدون کات خواهد بود.

ما می‌ خواهیم آهنگ در حدود 0 دسی‌ بل باشد، اولین کاری که باید انجام بدهیم این است که سطح خروجی را (نسخه لیمیتر آستانه) را در آن جا تنظیم کنیم. بهتر است آن را بین 0.3- و 0.8 دسی ‌بل تنظیم کنید. این اطمینان به وجود می‌ آید که در بلندگو هایی که کمی افزایش گین در مدارهای شان دارند، کات نمی ‌شود.

سپس می‌ توانید گین آهنگ را افزایش دهید تا زمانی که 2 تا 3 دسی ‌بل کاهش داشته باشد. اگر از یک محدود‌ کننده شخص ثالث استفاده می‌ کنید، از این مقدار بالاتر نروید، زیرا می ‌تواند صداهای مصنوعی بدی ایجاد کند. اگر از یک محدود کننده شخص ثالث با‌کیفیت استفاده می ‌کنید، می‌ توانید کاهش گین را به 4 تا 5 دسی بل افزایش دهید.

پیچ گین حجم واقعی را افزایش می‌ دهد، اما محدودیت دیوار آجری بلندی صدایی که حس می ‌شود را افزایش می‌ دهد. به این ترتیب هم اصل آهنگ تان بلند است و هم بلندتر حس می ‌شود.

مرحله 13: بررسی ‌های نهایی را انجام بدهید

حالا زمان بررسی نهایی است.

من شخصا از Dynameter برای این که ببینم ترک هنوز محدوده دینامیکی بالایی دارد یا خیر، استفاده می ‌کنم.

برخی دوست دارند از یک متر LUFS برای بررسی سطح بلندی نهایی استفاده کنند.

اگر پلاگین خاصی برای این منظور ندارید، این مرحله را رد کنید. در این برهه از زمان، شما قبلا هر کاری که در توان داشتید را انجام داده‌ اید تا مسترینگ تان عالی شود.

شاید مطالعه این مقاله را دوست داشته باشید: تاریخچه کامل موسیقی سنتی ایران بهمراه تصاویر بزرگان

مرحله 14: از پروژه خروجی بگیرید (در 16 بیت و 44.1 کیلوهرتز)

کار مسترینگ تمام است و حالا آماده انتشار آن هستید!

مرحله آخر، خروجی گرفتن آهنگ در فایلی است که با انواع سیستم‌های پخش سازگار باشد.

اول از همه آهنگ را به عنوان فایلی که اطلاعاتش از بین نمی ‌روند و به صورت mp3. انتخاب کنید. شما می ‌توانید هر نوع فرمت که می ‌خواهید را انتخاب کنید :

.wav،.aiff ، .caf

سپس باید مطمئن شوید که آهنگ با وضوح 16 بیت و نرخ نمونه ‌برداری 44.1 کیلوهرتز اکسپورت می ‌شود. این ها استاندارد های صوتی هستند.

مطمئن شوید که ترک تان را قبل از دیتِرینگ (Dither) تغییر داده ‌اید. دیترینگ به جلوگیری از ایجاد دیستوریشن اضافی در زمانی که ترک تان را با وضوح متفاوتی باس می ‌کنید، کمک می‌ کند. بدون آن، زحمات تان به هدر می ‌رود.

DAW شما به احتمال زیاد گزینه ‌های متفاوتی برای میکس خواهد داشت. توصیه می ‌کنم از تنظیمات pow-r 2 استفاده کنید.

فایل صوتی تان را فقط یک بار دیتر بدهید! اگر چندین بار دیتر کنید می توانید نویز بلند ایجاد کنید.

در نهایت، اگر عمل “نرمال ‌سازی” در پنجره Bounce‌ محیط کار دیجیتال تان وجود دارد، از آن استفاده نکنید. نرمال ‌سازی اساسا یک کار ناشیانه برای بلندتر کردن صدای ترک شما است . وقتی آهنگ تان را مستر کردید به آن نیاز ندارید.

دکمه OK را فشار بدهید تا مسترینگ تکمیل شود.

دانلود کنید: 4 تا از بهترین نرم افزارهای حرفه ای آهنگسازی در کامپیوتر

دروس ویدیویی آموزش میکس مسترینگ

از خانه مسترینگ:

حتما بلد باشید: 5 تا از بهترین استودیوهای موسیقی

نوشته آموزش میکس و مسترینگ حرفه‌ ای: 11 روش و 12 ویدئوی رایگان اولین بار در سازی ها. پدیدار شد.